Adiós a Leónidas Lamborghini, una de las grandes voces de la poesía argentina
Considerado una de las voces principales de la poesía nacional, Lamborghini falleció a sus 82 años. Sus restos serán velados en la Biblioteca Nacional, a partir de las 21.30. Admirado por Fogwill y Ricardo Piglia, entre muchos otros, es dueño de una obra prolífica y rupturista. Aquí, una de sus últimas entrevistas.
Leónidas Lamborghini está considerado como una de las voces centrales de la poesía nacional, aunque al comienzo de su carrera fue acusado de mancillar a la poesía por su inclinación a la parodia. Su obra es prolífica y admirada por colegas exigentes como Ricardo Piglia y Rodolfo Fogwill.
–¿Cuál es su visión sobre la poesía argentina actual?
–Debo decir que la palabra "actual"me asusta un poco. Estoy bastante apartado de la actualidad, porque si un poema me agrada o me entusiasma, no importa que sea actual o no. No importa la línea, no importa la escuela, no importa la historia del arte, y menos aun si se trata de un poeta mayor o menor. Lo que percibo en los poetas jóvenes es una ironía y un cinismo bien atemperados y bien alejados del lirismo que imperó, por ejemplo, en los años 40 y 50. Si tengo que dar nombres, me gusta la poesía de Bértola, Monteagudo, Casas, Rubio, Durand, Emiliano Bustos, Fernando Molle, Sergio Raimondi, la gente de las revistas Vox y El niño Stanton. Entre las poetas, suelo releer con gran placer a Irene Gruss, cuyos libros me parecen excelentes. También, hay varias poetas muy jóvenes cuyos trabajos me gustan mucho.
–¿Qué diferencia a la nueva generación de las anteriores?
–El panorama está movido porque hay rupturas. Estos jóvenes rompen con el verosímil de poesía –que pasaba exclusivamente por la lírica– y con la concepción del poema ya no como cosa sagrada sino como un espacio para la experimentación, sin más límite que la voluntad o la capacidad del poeta. En la nueva poesía, los escritores recuperan la parodia, hoy está de moda.
–Colocándolo casi en un rol de visionario, ¿qué caminos cree que tomará la poesía nacional en las próximas décadas?
–Es imprevisible: la ruptura parece marcar un determinado camino, pero la ruptura sutura y lo que fue cambio ya no lo parece y entonces es necesario volver hacia atrás para encontrar lo nuevo. Hay veces que para descubrir lo nuevo hay que volver a lo viejo, como decía León Trotsky. "Se trata de dar vuelta las viejas formas, como un guante", era su frase, citada por un poeta católico y conservador como T. S. Eliot, quien también dijo que Trotsky fue el único que entendió cómo venía la mano. En los textos de los poetas jóvenes percibo la ausencia de una épica. Con épica, me refiero a un poema que siendo poema –no propaganda– sea político, que recoja los conflictos actuales de la sociedad y los articule con el conflicto personal. Creo que esa carencia es un rasgo de la nueva generación, aunque no descarto que esté equivocado y sea yo quien no pueda percibir la presencia de ese elemento. Uno lee en estado de gracia o bien de desgracia. Cuando leés en estado de gracia, parás un momento y pensás: "Qué pavada estoy diciendo, si esto que creo que no está aparece en el poema de tal autor". No hay duda de que en los más jóvenes hay un lirismo, pero es despojado, muy distinto al de mi época. Despojado de todo colgajo lírico o, como dice el crítico y poeta Sandro Barrella, de "un lirismo narcotizado".
Hoy, los poetas exhiben un lirismo seco. Para expresarlo más gráficamente, los jóvenes bajan la poesía del cielo a la tierra.
–¿A qué poetas argentinos regresa como lector?
–Desde ya, me parecen importantes y releo las obras de Fogwill, Oscar Steimberg, Néstor Perlongher, Francisco Urondo y Osvaldo Lamborghini. Entre los ya no tan jóvenes, me interesan Daniel Samoilovich, Daniel Freidemberg, Pancho Muñoz y Daniel G. Helder. Entre los líricos, al que sigo con mayor placer es a Arturo Carrera. Yendo a los muy nombrados y los no tan nombrados, pienso que siguen teniendo vigencia Juan L. Ortiz, Oliverio Girondo, Leopoldo Marechal, Joaquín Giannuzzi, Ricardo Zelarayán y Hugo Savino. Pero hablando de rupturas y novedades, me interesan los gauchescos: ese Bartolomé Hidalgo que sale de hacer endecasílabos e inventa el tono y el metro de los gauchescos, e incorpora esa risa nuestra tan particular, que está ahí no como mera burla sino para hacerle una grieta al muro detrás del cual se esconde la impostura. Y ellos (Bartolomé Hidalgo, Hilario Ascasubi, Estanislao Del Campo y José Hernández) fueron poetas políticos y de una gran originalidad, y esto no lo digo yo sino que lo detectó con gran lucidez Ezequiel Martínez Estrada. Insisto: me parece actual cualquier poeta que me produzca placer. De lo contrario, todo se vuelve muy aburrido: es la historia del arte, son los catedráticos, la gente que tiene todo muy ordenadito por influencias, líneas y escuelas y a mí eso nunca me interesó un carajo. Para mí, puede ser grande una línea como "mi corazón una mentira pide", que voy a recordar toda la vida aunque no sepa quién fue el tanguero que la escribió (N. de R.: fue Alfredo Lepera). Por último, si se puede hablar de miserias y grandezas de la poesía argentina actual, creo que estamos atravesando un momento en el que, paradójicamente, se escribe cada vez más y mejor poesía y, sin embargo, el género no tiene visibilidad ni en los suplementos literarios de los diarios ni en las librerías.
*Publicado en Ñ el 11 de agosto de 2007
http://www.clarin.com/notas/2009/11/13/_-02040295.htm
sábado, 14 de noviembre de 2009
Kay Ruane me voló la cabeza
Tomado de http://laorejasurrealista.blogspot.com/2009/05/kay-ruane.html
Nace en Illinois USA en 1960, en 1981 se licencia en la Indiana State University en arte y trabaja como profesora de dibujo en School of the Art Institute of Chicago.
Sus trabajos siempre han sido en técnica de dibujo a lápiz, su dominio tal que sus gamas de grises conseguidos al frotar el lápiz llegan ha crear una policromía dentro de esta gama monocrómica.
Sus trabajos son muy realistas, manejando las perspectivas y la luz consigue un realismo que a veces es casi fotográfico.
Desde el 2006 Kay ha empezado a meter color en sus trabajos, colorea solo zonas u objetos, manteniendo el resto del dibujo en blanco y negro logrando así destacarlas, dándole otra dimensión a los trabajos. Las tonalidades que emplea son muy apasteladas logrando así una mayor sensualidad en sus trabajos.
En cuanto a los tamaños ella dice que prefiere los medios formatos y para algunos trabajos los grandes formatos de 50x100.
El mundo de Kay Ruane es un mundo femenino y secreto de interiores. Sus chicas posan delante de una ventana por la que se dejan ver paisajes oníricos, fantásticos, o simplemente la línea del cielo que forman los edificios de una gran ciudad y que se pierden en el horizonte dándole a los dibujos una mayor profundidad.
Las modelos posan relajadas y tranquilas transmitiendo al espectador en algunos trabajos un sentimiento de soledad pero al mismo tiempo de paz.
Nace en Illinois USA en 1960, en 1981 se licencia en la Indiana State University en arte y trabaja como profesora de dibujo en School of the Art Institute of Chicago.
Sus trabajos siempre han sido en técnica de dibujo a lápiz, su dominio tal que sus gamas de grises conseguidos al frotar el lápiz llegan ha crear una policromía dentro de esta gama monocrómica.
Sus trabajos son muy realistas, manejando las perspectivas y la luz consigue un realismo que a veces es casi fotográfico.
Desde el 2006 Kay ha empezado a meter color en sus trabajos, colorea solo zonas u objetos, manteniendo el resto del dibujo en blanco y negro logrando así destacarlas, dándole otra dimensión a los trabajos. Las tonalidades que emplea son muy apasteladas logrando así una mayor sensualidad en sus trabajos.
En cuanto a los tamaños ella dice que prefiere los medios formatos y para algunos trabajos los grandes formatos de 50x100.
El mundo de Kay Ruane es un mundo femenino y secreto de interiores. Sus chicas posan delante de una ventana por la que se dejan ver paisajes oníricos, fantásticos, o simplemente la línea del cielo que forman los edificios de una gran ciudad y que se pierden en el horizonte dándole a los dibujos una mayor profundidad.
Las modelos posan relajadas y tranquilas transmitiendo al espectador en algunos trabajos un sentimiento de soledad pero al mismo tiempo de paz.
La huérfana
Buenísima para ser típicamente de terror. Como dice Magdalena: La cara de la pendeja ya te hace cagar en las patas.
Para mí toma todos los pánicos básicos de la maternidad y los pone juntos hasta dejarte los pelos de punta: el primero y principal: ser mala madre, estar borracha y que tus hijos se lastimen; parir muerte en vez de vida (la escena inicial es mortal); sobrevivir a un aborto espontáneo, cuidar a una hija sordomuda y no poner protegerla de esos lugares terribles donde te pone la infancia (trepadoras, hamacas, cuartos de baño, escuelas, etc), que tus hijos se lleven mal entre sí; adoptar un monstruo; que tu marido no esté de tu lado; que te internene por loca, adicta o inadaptada; que no te atiendan en tu casa el teléfono; manejar tan lento que al llegar los encuentres a todos asesinados.
De terror, terror. Me sospeché el giro final, pero pensé que vendría por lo fantástico. Y no.
Para mí toma todos los pánicos básicos de la maternidad y los pone juntos hasta dejarte los pelos de punta: el primero y principal: ser mala madre, estar borracha y que tus hijos se lastimen; parir muerte en vez de vida (la escena inicial es mortal); sobrevivir a un aborto espontáneo, cuidar a una hija sordomuda y no poner protegerla de esos lugares terribles donde te pone la infancia (trepadoras, hamacas, cuartos de baño, escuelas, etc), que tus hijos se lleven mal entre sí; adoptar un monstruo; que tu marido no esté de tu lado; que te internene por loca, adicta o inadaptada; que no te atiendan en tu casa el teléfono; manejar tan lento que al llegar los encuentres a todos asesinados.
De terror, terror. Me sospeché el giro final, pero pensé que vendría por lo fantástico. Y no.
Fiebre de sábado por la noche
Me encantó. Movés los piecitos y la cabeza desde la apertura y es más jugada de los que yo creía. Creo que la vi hace muchos años, pero me había quedado sólo la idea del baile.
Hay ideas para escribir feminista y para escribir "de época". Ya me pondré a rescatar la idea de las mujeres de los 70 decidiendo "ser ramera o buena chica", tomar la píldora, usar diafragma o "nada porque te amo" y que todo pasara por el asiento trasero de un auto.
Me acordé de mi mamá. De algunas de sus tristes experiencias con el sexo y del susto que se pegó cuando mi noviecito de los 15-16, que tenía un año más que yo, apareció con Fiat en la puerta (menos mal que no era un Falcon porque a la vieja le daba un síncope).
Hay ideas para escribir feminista y para escribir "de época". Ya me pondré a rescatar la idea de las mujeres de los 70 decidiendo "ser ramera o buena chica", tomar la píldora, usar diafragma o "nada porque te amo" y que todo pasara por el asiento trasero de un auto.
Me acordé de mi mamá. De algunas de sus tristes experiencias con el sexo y del susto que se pegó cuando mi noviecito de los 15-16, que tenía un año más que yo, apareció con Fiat en la puerta (menos mal que no era un Falcon porque a la vieja le daba un síncope).
Chat pero no
Ayer entré al chat de levante después de tres meses de abstinencia asustada. Para ver qué ME pasaba, si me aburría, si me asqueaba, si entraba en pánico. Y no: aún tengo el don: tres contacto nuevos interesantes.
Hoy ya uno de ellos me invitó a salir. Y dije que no. Porque no tengo ganas de salir ni de vestirme para nadie ni de poner cara de soy magnífica. Listo.
Hoy ya uno de ellos me invitó a salir. Y dije que no. Porque no tengo ganas de salir ni de vestirme para nadie ni de poner cara de soy magnífica. Listo.
martes, 10 de noviembre de 2009
II Jornadas de Debates sobre Literatura Latinoamericana y Estudios de Género
II Jornadas de Debates sobre Literatura Latinoamericana y Estudios de Género
19 y 20 de Noviembre
Instituto Interdisciplinario de Género, FFyL, UBA.
Museo Roca, Vicente López 2220, CABA.
JUEVES 19 DE NOVIEMBRE
10:00
Inscripciones
10:30 a 12:00 hs
Mesa 1: Otros modos de escritura. Género y sexualidad en las crónicas de mujeres.
Coordinadora: Domínguez, Nora
- Croxatto, Guido y Heuck, María Julia (UBA): “Alfonsina Storni y las cuestiones de género”
- Diz, Tania (UBA): “Storni y Perlongher o modos del desdoblamiento”
- Fantin, María Sol (UBA): “Erotismo en las crónicas de Clarice Lispector”
- Winokur, Julia (UBA): “Clarice Lispector: dentro y fuera del lugar común. Acerca de las crónicas incluidas en Revelación de un mundo”
12:00 a 13:30
Mesa 2: Voces de la autobiografía
Coordinadora: Diz, Tania.
- Fernández Cordero, Laura (uba/conicet/ CeDInCI): “Historia de un ideal vivido por una mujer. Autobiografía de la anarquista Juana Rouco Buela”
- Rossi Elgue, Carlos A. (UBA): “Los muchachos no lloran: Estrategias literarias en la construcción de una identidad transgénero”
- Scherbosky, Federica (UBA/CONICET): “Flora Tristán. De la autobiografía al reconocimiento”
13:30 a 14:30 hs
Receso
14:45 a 15:30
Mesa Apertura
- Domínguez, Nora (IIEGE, UBA)
- Ostrov, Andrea (UBA)
15:30 a 17:30 hs
Mesa 3: El cuerpo “queer” en la literatura y el teatro
Coordinador: Lozano, Ezequiel.
- Anastasia, Pilar y Boccardi, Facundo (unc/conicet): “El sexo en la voz: entre pornografía y literatura”
- Arnés, Laura (IIEGE, UBA/CONICET): “Instantánea de un deseo: atisbos de una pasión lesbiana en “Celos” de María Fasce”
- Gatto, Teresa (UBA): "Auténtico de José María Muscari, el hecho teatral como Manifiesto”
- Lozano, Ezequiel (uba/conicet): “Cuerpos queer en los bordes de la dramaturgia de Rafael Spregelburd”
- Saxe, Facundo Nazareno (UNLP/CONICET): “Dos visiones queer sobre la memoria: Los Topos de Félix Bruzzone y Der grüne Jaguar de Tiló”
17:30 a 19:00 hs
Mesa 4: Los cuerpos y la cultura
Coordinadora: Bertúa, Paula.
- Blanco, Oscar (UBA): “Inflexiones de voces femeninas en las letras de rock producidas en Argentina (1983-2001), Los ´80”
- de León, Pilar (Universidad de la República/GETEA/UBA): “Trinidad Guevara en el imaginario feminista”
- Scaricaciottoli, Emiliano (UBA): “Inflexiones de voces femeninas en las letras de rock producidas en Argentina (1983-2001), Los ´90”
- Vergara, María Ximena (UBA): “Yo, la peor de todas: sexo, música y mujeres”
Mesa 5: Imaginario socio-sexual (1)
Coordinadora: Bianchi, Paula.
- Badano, Valeria (UM/UNLu): “Reconstrucción del universo jerarquizado: negritud y femenino. A propósito de Marie-Marie de Alondra Badano”
- Bianchi, Paula (UBA): “Cuerpos Violentados”
- Martin, Luciana (UBA): “La figura de La Malinche como contrapunto en la obra de Octavio Paz y Gloria Anzaldúa”
- Salles, Ana (UFSM): “Reflexiones acerca de la obra La Mujer Habitada: la mujer latinoamericana en cuestión"
VIERNES 20 DE NOVIEMBRE
10:00 a 11:45 hs
Mesa 1: Otros modos de escritura: mujeres ensayistas y periodistas
Coordinadora: Arnés, Laura A.
- Caruso, Ana Laura y Lynch Wade, Brenda (UBA): “Feminismo en los medios gráfico: Alfonsina”
- López Seoane, Mariano (NYU): “Una voz en el teléfono. Victoria Ocampo, la mujer y su expresión”
- Mantelli, Nora y Sardiello, Natalia (Centro Interdisciplinario de Estudios de Género F.H.UNC): “Salvadora Medina Onrubia: hacer oir su voz en cuentos”
- Ringuelet, Gisele (Asociación de Psicoanálisis La plata y Centro Descartes): “De las madres virtuosas a las mujeres escritoras”
11:45 a 13:15 hs.
Mesa 2: Entre la vida y la ficción: escrituras del yo y de la otra/o
Coordinadora: Domínguez, Nora.
- Acedo Alonso, Noemí: “Yo (no) me escribo: “La reinvención de la autobiografía en Patas de avestruz, de Alicia Kozameh”
- Briasco Lay, Florencia y Sánchez, María del Rosario: “La construcción del otro y de sí misma en el erotismo militante de los poemas reunidos en Los cálices vacíos (1913) de Delmira Agustini (1886-1914)”
- Galván, Verónica (celehis): “Mujeres en el silencio: Poniatowska y la construcción discursiva del género femenino”
13:15 a 14:15
Receso
14:15 hs a 16:00
Mesa 3: Imaginario socio-sexual (2)
Coordinadora: Jurovietzky, Silvia.
- Cabré, M. Celeste (uba): “Lazos de familia de Clarice Lispector: una poética de lo transhumano”
- Salmoiraghi, Paula (UBA): “El no-camino de la heroína en Mujer de cierto orden de Juana Bignozzi”
- Secreto, Cecilia (UNMP): “La deconstrucción del modelo de la virgen: La insatisfacción (El sueño de Úrsula de María Negroni)”
- Tieffemberg, Silvia (UBA/CONICET): “Parirse varón. Partenogénesis en la autobiografía de una novicia que fue soldado”
Mesa 4: Imaginario socio-sexual(3)
Coordinadora: De Leone, Lucía.
- Cenci, Carla y Copes, Ana (UNL): “Memoria y Género: la/s identidad/es en tanto textualidad cultural”
- De Leone, Lucía (IIEGE, UBA/CONICET): “Otra vuelta: Sara Gallardo y las novelas rurales”
- Del Villa, Viviana: “Está en llamas mi campo natal”
- Pérez, Claudia (UNLP): “Entre mi sombra y yo misma”
16:00 a 18:00 hs.
Mesa 5 : El feminismo como crítica literaria: debates actuales
Coordinadora: Salomón, María Guadalupe
- Kéller, Victoria (UBA): “Las lectoras de novelas “rosas” o “de corazón”: análisis de la construcción de la feminidad alrededor de la idea de romance desde una perspectiva feminista”
- López Rodríguez, Rosana (CEICS/ UBA): “La mujer ausente. La construcción de género en Mala noche y parir hembra de Angélica Gorodischer”
- Luque, Cecilia (UNC): “La brecha entre los feminismos institucionales y el feminismo llorón”
- Pérez Louro, Débora: “Algunas palabras acerca de una cultura que goza diferenciando”
- Salomón, María Guadalupe (UBA): “La hermenéutica del género y la guerra de los sexos”
18:00 a 19:00 hs.
Mesa de Cierre: Poetas invitadas.
Silvia Jurovietzky, Paula Jiménez, Liliana Lukin.
Coordinadora y organizadora: Laura A. Arnés
--
www.2jornadasllyeg.blogspot.com
19 y 20 de Noviembre
Instituto Interdisciplinario de Género, FFyL, UBA.
Museo Roca, Vicente López 2220, CABA.
JUEVES 19 DE NOVIEMBRE
10:00
Inscripciones
10:30 a 12:00 hs
Mesa 1: Otros modos de escritura. Género y sexualidad en las crónicas de mujeres.
Coordinadora: Domínguez, Nora
- Croxatto, Guido y Heuck, María Julia (UBA): “Alfonsina Storni y las cuestiones de género”
- Diz, Tania (UBA): “Storni y Perlongher o modos del desdoblamiento”
- Fantin, María Sol (UBA): “Erotismo en las crónicas de Clarice Lispector”
- Winokur, Julia (UBA): “Clarice Lispector: dentro y fuera del lugar común. Acerca de las crónicas incluidas en Revelación de un mundo”
12:00 a 13:30
Mesa 2: Voces de la autobiografía
Coordinadora: Diz, Tania.
- Fernández Cordero, Laura (uba/conicet/ CeDInCI): “Historia de un ideal vivido por una mujer. Autobiografía de la anarquista Juana Rouco Buela”
- Rossi Elgue, Carlos A. (UBA): “Los muchachos no lloran: Estrategias literarias en la construcción de una identidad transgénero”
- Scherbosky, Federica (UBA/CONICET): “Flora Tristán. De la autobiografía al reconocimiento”
13:30 a 14:30 hs
Receso
14:45 a 15:30
Mesa Apertura
- Domínguez, Nora (IIEGE, UBA)
- Ostrov, Andrea (UBA)
15:30 a 17:30 hs
Mesa 3: El cuerpo “queer” en la literatura y el teatro
Coordinador: Lozano, Ezequiel.
- Anastasia, Pilar y Boccardi, Facundo (unc/conicet): “El sexo en la voz: entre pornografía y literatura”
- Arnés, Laura (IIEGE, UBA/CONICET): “Instantánea de un deseo: atisbos de una pasión lesbiana en “Celos” de María Fasce”
- Gatto, Teresa (UBA): "Auténtico de José María Muscari, el hecho teatral como Manifiesto”
- Lozano, Ezequiel (uba/conicet): “Cuerpos queer en los bordes de la dramaturgia de Rafael Spregelburd”
- Saxe, Facundo Nazareno (UNLP/CONICET): “Dos visiones queer sobre la memoria: Los Topos de Félix Bruzzone y Der grüne Jaguar de Tiló”
17:30 a 19:00 hs
Mesa 4: Los cuerpos y la cultura
Coordinadora: Bertúa, Paula.
- Blanco, Oscar (UBA): “Inflexiones de voces femeninas en las letras de rock producidas en Argentina (1983-2001), Los ´80”
- de León, Pilar (Universidad de la República/GETEA/UBA): “Trinidad Guevara en el imaginario feminista”
- Scaricaciottoli, Emiliano (UBA): “Inflexiones de voces femeninas en las letras de rock producidas en Argentina (1983-2001), Los ´90”
- Vergara, María Ximena (UBA): “Yo, la peor de todas: sexo, música y mujeres”
Mesa 5: Imaginario socio-sexual (1)
Coordinadora: Bianchi, Paula.
- Badano, Valeria (UM/UNLu): “Reconstrucción del universo jerarquizado: negritud y femenino. A propósito de Marie-Marie de Alondra Badano”
- Bianchi, Paula (UBA): “Cuerpos Violentados”
- Martin, Luciana (UBA): “La figura de La Malinche como contrapunto en la obra de Octavio Paz y Gloria Anzaldúa”
- Salles, Ana (UFSM): “Reflexiones acerca de la obra La Mujer Habitada: la mujer latinoamericana en cuestión"
VIERNES 20 DE NOVIEMBRE
10:00 a 11:45 hs
Mesa 1: Otros modos de escritura: mujeres ensayistas y periodistas
Coordinadora: Arnés, Laura A.
- Caruso, Ana Laura y Lynch Wade, Brenda (UBA): “Feminismo en los medios gráfico: Alfonsina”
- López Seoane, Mariano (NYU): “Una voz en el teléfono. Victoria Ocampo, la mujer y su expresión”
- Mantelli, Nora y Sardiello, Natalia (Centro Interdisciplinario de Estudios de Género F.H.UNC): “Salvadora Medina Onrubia: hacer oir su voz en cuentos”
- Ringuelet, Gisele (Asociación de Psicoanálisis La plata y Centro Descartes): “De las madres virtuosas a las mujeres escritoras”
11:45 a 13:15 hs.
Mesa 2: Entre la vida y la ficción: escrituras del yo y de la otra/o
Coordinadora: Domínguez, Nora.
- Acedo Alonso, Noemí: “Yo (no) me escribo: “La reinvención de la autobiografía en Patas de avestruz, de Alicia Kozameh”
- Briasco Lay, Florencia y Sánchez, María del Rosario: “La construcción del otro y de sí misma en el erotismo militante de los poemas reunidos en Los cálices vacíos (1913) de Delmira Agustini (1886-1914)”
- Galván, Verónica (celehis): “Mujeres en el silencio: Poniatowska y la construcción discursiva del género femenino”
13:15 a 14:15
Receso
14:15 hs a 16:00
Mesa 3: Imaginario socio-sexual (2)
Coordinadora: Jurovietzky, Silvia.
- Cabré, M. Celeste (uba): “Lazos de familia de Clarice Lispector: una poética de lo transhumano”
- Salmoiraghi, Paula (UBA): “El no-camino de la heroína en Mujer de cierto orden de Juana Bignozzi”
- Secreto, Cecilia (UNMP): “La deconstrucción del modelo de la virgen: La insatisfacción (El sueño de Úrsula de María Negroni)”
- Tieffemberg, Silvia (UBA/CONICET): “Parirse varón. Partenogénesis en la autobiografía de una novicia que fue soldado”
Mesa 4: Imaginario socio-sexual(3)
Coordinadora: De Leone, Lucía.
- Cenci, Carla y Copes, Ana (UNL): “Memoria y Género: la/s identidad/es en tanto textualidad cultural”
- De Leone, Lucía (IIEGE, UBA/CONICET): “Otra vuelta: Sara Gallardo y las novelas rurales”
- Del Villa, Viviana: “Está en llamas mi campo natal”
- Pérez, Claudia (UNLP): “Entre mi sombra y yo misma”
16:00 a 18:00 hs.
Mesa 5 : El feminismo como crítica literaria: debates actuales
Coordinadora: Salomón, María Guadalupe
- Kéller, Victoria (UBA): “Las lectoras de novelas “rosas” o “de corazón”: análisis de la construcción de la feminidad alrededor de la idea de romance desde una perspectiva feminista”
- López Rodríguez, Rosana (CEICS/ UBA): “La mujer ausente. La construcción de género en Mala noche y parir hembra de Angélica Gorodischer”
- Luque, Cecilia (UNC): “La brecha entre los feminismos institucionales y el feminismo llorón”
- Pérez Louro, Débora: “Algunas palabras acerca de una cultura que goza diferenciando”
- Salomón, María Guadalupe (UBA): “La hermenéutica del género y la guerra de los sexos”
18:00 a 19:00 hs.
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Silvia Jurovietzky, Paula Jiménez, Liliana Lukin.
Coordinadora y organizadora: Laura A. Arnés
--
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lunes, 9 de noviembre de 2009
"Sé que escribo bien y esto es todo"
Las palabras son más terribles de lo que me sospechaba. Mi necesidad de ternura es una larga caravana.
En cuanto a escribir, sé que escribo bien y esto es todo. Pero no me sirve para que me quieran.
(Diarios de Alejandra Pizarnik)
En cuanto a escribir, sé que escribo bien y esto es todo. Pero no me sirve para que me quieran.
(Diarios de Alejandra Pizarnik)
domingo, 8 de noviembre de 2009
Districto 9
Una cagada, un bajón. Sé que hoy no es mi mejor día, pero odio las pelis que últimamente se han realizado como si fueran documentales (perdón a la gente que hace buenos documentales), filmadas como si una cámara amateur o periodística se moviera detrás de imágenes "reaistas", ¿reales?
Aquí los humanos son una mierda y los extraterrestres un asco. No la salva ni el ET font home del final.
Aquí los humanos son una mierda y los extraterrestres un asco. No la salva ni el ET font home del final.
Y reprimir el instinto asesino
LOCO
Andrés Calamaro
Voy a salir a caminar solito
sentarme en un parque a fumar un porrito
y mirar a las palomas comer el pan que la gente les tira
Y reprimir el instinto asesino delante de un mimo de un clown
hoy estoy down violento down radical
Pero tengo aprendido el papel principal
Yo soy un Loco
que se dio cuenta
que el tiempo es muy poco
Na na na na na, na na na na na
A lo mejor resulta mejor así
Na na na na na, na na na na na
Na na na na na, na na na na na
A lo mejor resulta mejor así
El tiempo es muy poco...
El tiempo es muy poco.
Andrés Calamaro
Voy a salir a caminar solito
sentarme en un parque a fumar un porrito
y mirar a las palomas comer el pan que la gente les tira
Y reprimir el instinto asesino delante de un mimo de un clown
hoy estoy down violento down radical
Pero tengo aprendido el papel principal
Yo soy un Loco
que se dio cuenta
que el tiempo es muy poco
Na na na na na, na na na na na
A lo mejor resulta mejor así
Na na na na na, na na na na na
Na na na na na, na na na na na
A lo mejor resulta mejor así
El tiempo es muy poco...
El tiempo es muy poco.
sábado, 7 de noviembre de 2009
Sommers por Benedetti
Armonía Somers y el carácter obsceno del mundo
Mario Benedetti
"No hay nada más obsesionante para ti hombre que eso que ha convenido en llamar el paraíso. No tanto porque lo imagine hermoso e interminable. Aunque se persista en decir lo contrario, nadie piensa que pueda existir algo que supere a la tierra, aun en la precariedad del tránsito”. La cita pertenece a un antiguo cuento de Armonía Somers(1), y su sentido sigue planeando sobre los relatos de La calle del viento norte (1963), obra con la que esta narradora reanuda su labor de creación, después de un silencio que duró diez años. "Nadie piensa que pueda existir algo que supere a la tierra”; acaso esta frase represente una clave para entender, apreciar, y también sufrir, las implicaciones metafísicas de esta extraña literatura. Porque esa exclusividad, ese precario monopolio que Armonía Somera reclama para la vida terrenal, paradójicamente no sirve para prestigiar esta residencia sino para comprobar su definitiva condición miserable.
Los horrores de este mundo podrían ser dignificados y hasta sublimados por la presencia de Dios, pero Somers parece descartar aquella presencia, para admitir en todo caso la existencia de un destino ciego que deja al hombre absolutamente a la intemperie, a solas consigo mismo. Es entonces, sólo entonces, que los horrores del mundo se convierten en un perverso absurdo, en una crueldad sin justificación. Ya que Somers define la vida como "un juego olvidado de la muerte” este libro vendría a ser, por lo menos en uno de sus sentidos, un memorándum destinado a reparar ese olvido.
Armonía Somers es sólo un seudónimo tras el que se oculta una investigadora, ampliamente conocida en el plano del magisterio.
Su obra narrativa se inicia con La mujer desnuda(2), largo relato que, a pesar de sus rengueras literarias, mostraba una confusa fuerza dionisíaca. Tres años más tarde, en El derrumbamiento (1953), la autora reúne cinco cuentos, en los que ya se anuncia cierta pesadillesca visión del mundo, cierta oscura, visceral asunción de un caótico y protervo azar. En esos relatos comparecían, en abierta pugna, virtudes y defectos. Por una parte, Somera se mostraba como una artista cabal, poseedora del difícil don de contar; por otro, la estructura de los cuentos era a veces tan débil y confusa que su sentido esencial se desdibujaba; el caos. el delirio de temas y personajes, llegaban a afectar el estilo y a quitarle al lector los asideros mínimos de la atención. En aquel momento, ese desajuste pudo parecer una pose del narrador, una mala digestión de lecturas riesgosas y seductoras, y así lo señalé(3).
El nuevo volumen de cuentos tiene un doble efecto: no sólo representa un logro en sí mismo, sino que además significa, con respecto a El derrumbamiento, una retroactiva justificación. Ahora, frente a un narrador que ha adquirido un claro dominio de su instrumento literario; que ha madurado en la concepción de su propio laberinto; que construye sus cuentos sobre estructuras mejor armadas y sobre diseños menos deteriorados por el caos; ahora sí es posible comprobar que los cuentos de aquel libro de 1953, aunque no totalmente realizados como la literatura que pretendían ser, no se inscribían en una pose literaria sino en una auténtica angustia metafísica. Justo es reconocerlo, aunque sea a diez años de distancia.
Si fuera obligatorio invocar algún nombre para señalar una afinidad con los extraños cuentos de La calle del viento norte, habría que salir de la literatura y acordarse de Ingmar Bergman: especialmente, de los filmes de su última trilogía. Al igual que el notable realizador sueco, Somers experimenta simultáneamente rechazo y fascinación ante lo demoníaco, ante el horror y las perversiones de lo humano. Su mundo es infernal y está poblado de seres crueles e incomunicados, que reservan la palabra solidaridad para el puntual ejercicio del odio. Pero donde Somers está más cerca de Bergman es en su relevamiento de la ausencia y el silencio de Dios ("Dios, yo nunca te tuve", dice la protagonista de "El hombre del túnel", "al menos en esa forma de cómoda argolla de donde prenderse en casos extremos, ni siquiera como la cancelación provisoria del miedo"). Toda su concepción de lo demoníaco, de la horrible atracción de lo abyecto, de las misteriosas segregaciones del Mal, parecen apuntar a una más oscura y profunda convicción: el carácter obsceno del mundo todo.
En el cuento que da título al volumen, el viento empieza "a retorcerse puerta adentro, como si lo que a él le ocurría no tuviese nada que ver con los entredichos de aquellos pigmeos sostenidos por milagro en sus dos patas. Él era parte de algo demasiado enorme que se había gestado mundo arriba, una preñez de cielo grande desvinculado por completo de los vientres mortales, apenas receptivos de su inmundo lastre". Aquí el viento es casi un sucedáneo de Dios; o sea que, aun en el caso de que Dios existiera, habría en Él una actitud tan ajena, tan poderosa, tan egoísta, tan sola, que automáticamente la vida humana como miserable excrecencia de Dios, se convertiría en algo obsceno, en "inmundo lastre". Pero si Dios además, no existe, o por lo menos no comparece para, con su presencia, otorgar sentido a seres y cosas, entonces su ausencia origina el absurdo, y ese absurdo es igualmente obsceno e igualmente horroroso.
Tal vez a esta altura el lector saque sus propias cuentas y deduzca que los de Armonía Somers no son cuentos agradables. Estará en lo cierto. Un loco que cierra un portal para que no pase el viento; dos niños celosos de su hermano muerto, que llegan improvisada pero conscientemente al crimen; un alacrán que oficia de azaroso verdugo; la insólita subasta de un sepulcro; cierta muchacha que persigue afanosamente la imagen de un violador. Estos son los temas de los cinco cuentos. Uno de ellos, "Muerte por alacrán", administra su dosis de terror con un ritmo y una precisión notables: es un título que no podrá faltar en ninguna antología del cuento uruguayo. Pero, con excepción de "La subasta" (pobre de lenguaje y, además, sostenido por una fantasmagoría demasiado obvia), los otros cuentos también consiguen, en su envase de violencia o de espanto, desarrollar una imagen de la crueldad que unas veces es absorbente y otras es sólo intimidatoria, pero que siempre impresiona por su fuerza innegable, por su capacidad de invención, por su tensión y su misterio, A un relato como "El hombre del túnel" ("cuento para confesar y morir" es el subtitulo) se le podrían acoplar numerosas interpretaciones, pero no es por ellas que va seguramente a sobrevivir sino por su declarada, vibrante obsesión, por la doble corriente de ternura y de asco que lo recorre y justifica.
Para asombrar con su propio asombro, Armonía Somers ha encontrado ahora un estilo severo, áspero, que a menudo incluye repentinos hallazgos verbales y una adjetivación particularmente imaginativa; un estilo que se corresponde como nunca con su visión desgarrada y distante, y que contribuye poderosamente a brindar una oprimente sensación de pesadilla. Frente a este libro insólito, singular, el lector (al igual que la autora frente a las diversas formas del Mal) podrá sentir rechazo o fascinación: pero es seguro que no ha de permanecer indiferente. Es cierto que La calle del viento norte es una obra sin optimismo y probablemente sin mensaje; pero también es el testimonio de una estupefacción, a partir de los grandes ojos abiertos con que alguien ve (o imagina, que es un modo doloroso de ver) los horrores de este mundo y la desesperanzada muerte de ese horror.
Referencias:
(1) "La puerta violentada" incluido en El derrumbamiento. (1963).
(2) Apareció por primera vez en la revista Clima, No. 2-3, 1950, y en 1951 como apartado de la misma revista. En 1967 fue reeditada por Arca.
(3) En una reseña publicada en la revista Número, año 5. No. 22, 1953
Mario Benedetti.
Literatura uruguaya Siglo XX
Ediciones La República - Diciembre 1991
Festival Internacional de la palabra en escena
Festival Palabra Viva
Por Teresa Gatto
Festival Palabra Viva
Fecha: del 5 al 8 de noviembre
El Crisol: Arismendi 2658, (a pasos de Av de los Incas y Triunvirato) CABA
Espectáculos nacionales: $10
Espectáculos extranjeros: $15
Informes: 011 4523-7605
Correo electrónico: crisolteatro@yahoo.com / crisolteatro@gmail.com
Ver:
Palabra Viva Festival Internacional de la Palabra en escena.
Entre el 5 y 8 de noviembre se llevará a cabo este Festival que busca volver a situar a la palabra en el centro de la representación en un momento en que las nuevas tecnologías y otros lenguajes hacen base en el teatro. La tradición oral que los legó las mejores leyendas y cuentos, la posibilidad de narrar, ese milagro que salvó la vida de Sherezade son el eje de este evento teatral que hará eje en la juglaría y la narración oral. Leedor conversó con la gente de Crisol y estas sus impresiones.
-¿Cómo se gesta el Crisol?
MARCELA FRAIMAN- Básicamente, El Crisol Teatro nace de la necesidad de contar con un espacio propio para poder desarrollar con total libertad nuestros proyectos. Como tantos otros, en un principio alquilábamos una sala de ensayo para producir nuestros espectáculos. Pero pronto vimos que, haciendo un esfuerzo más, podríamos contar con un lugar nuestro. Y cuando tenés un lugar podés imaginar otras cosas, idear otros proyectos, se despiertan otros intereses. Hoy El Crisol Teatro es una Asociación Civil sin Fines de Lucro, en la que desarrollamos nuestros proyectos artísticos y damos espacio a la presentación de las obras de otros artistas tanto teatrales, como de la música, danza y plástica.
-El teatro anterior a las posmodernidad nunca se dio el lujo de prescindir de la palabra ¿porqué creen que hoy abundan tantas puestas en donde la palabra no está o está rota y por sus grietas se filtran los productos tecnológicos u otros lenguajes?
CARINA RESNISKY- El teatro, como todo arte, siempre es reflejo de su época. Estamos atravesando un cambio de paradigma en el que la tecnología ya no es una herramienta inaccesible. La tecnología está al alcance de la sociedad y ya es parte del cotidiano. Esto, sumado a la fragmentación y desarticulación del que se consuma durante todo el siglo XX en diferentes corrientes artísticas, abre la posibilidad de gestar nuevos lenguajes; esa ruptura del siglo XX procedimientos ha aportado formas nuevas. Lo cierto es que, ya entrados en el siglo XXI, e están gestando otras maneras de producir teatralmente.
-En muchas obras hay una apuesta al cine, como si la dificultad de representar encontrara ciertos caminos allanados al apelar a lo visual. ¿Consideran que es sólo una moda pasajera, que hay imposibilidad de narrar lo inefable o son sólo modos de experimentación?
CARINA RESNISKY- Puede que sea una combinación de las tres. “Lo inefable” no se podrá narrar nunca, eso hay que tenerlo claro. La posibilidad de apelar a lenguajes que, en principio, son de otras disciplinas artísticas, permite acechar lo inefable desde distintos ángulos y, de esa manera, quizá, acercarse algo a la posibilidad de manifestarlo. De todos modos, la realidad es que atravesamos una época donde la imagen es un elemento predominante a la hora de generar discurso.
-El festival homenajea a la palabra viva, narradores, juglares, actores de la palabra como era Vilches, he visto que hay una versión del Bululú que en Argentina es sinónimo de José María Vilches, romanceros, letras de César Fernández Moreno que acarició siempre a las palabras, ¿Existe algún patrón para elegir las puestas ya que todas hacen centro en la lengua como material privilegiado?
MARCELA FRAIMAN- PALABRA VIVA, es un espacio propuesto para recuperar la palabra en escena en sus diversas formas. Desde el comienzo lo imaginamos como una celebración del lenguaje donde confluyeran las formas modernas de tradiciones antiguas: Narración Oral, Poesía en escena, Canción, Teatro de texto de pequeño formato. De esa surgen de convocar espectáculos de Juglaría y Narración oral como dos formas tradicionales que han sabido reformularse con el correr del tiempo. Una programación de la que estamos realmente orgullosos, por la calidad y variedad de las propuestas artísticas.
-¿Cuáles son las expectativas para este Festival? ¿Cualitativamente cuál sería la meta a alcanzar?
MARCELA FRAIMAN- Nuestra meta es que PALABRA VIVA sea un espacio donde se revitalice el encuentro entre el artista y el público a través del verbo. Un humano en conexión con otro humano en el arte de la Palabra. Y vemos muy buenas perspectivas en el interés que mucha gente viene mostrando por el Festival, contactándose desde hace varias semanas para reservar sus lugares en todas las actividades tanto funciones como charlas y workshops.
CARINA RESNISKY:-También, en el marco de PALABRA VIVA, aunque no de manera visible para el afuera, generamos constantes espacios de participación e intercambio entre los artistas, lo que es muy gratificante y enriquecedor para todos
Ficha y Programación:
Fecha: del 5 al 8 de noviembre
El Crisol: Arismendi 2658, (a pasos de Av de los Incas y Triunvirato) CABA
Espectáculos nacionales: $10
Espectáculos extranjeros: $15
Informes: 011 4523-7605
Correo electrónico: crisolteatro@yahoo.com / crisolteatro@gmail.com
PROGRAMACIÓN
Jueves 5/11
21 hs – Espectáculo de Apertura: “Argentino hasta la muerte”, con Martín Ortiz (Argentina/España)
Viernes 6/11
17 hs – Charla con Javier Tárraga. “Construcción e interpretación del Romance”.
20 hs – Espectáculo “La torre de mentiras y los embusteros sin fin”, con Juan Marcial Moreno (Argentina)
22 hs – Espectáculo “Fragmentos de vidas compartidas”, con Norberto Presta (Italia)
Sábado 7/11
17 hs – Clase magistral a cargo de Luis Felipe Alegre. “Juglaría. Tradición y actualidad”
20 hs – Espectáculo “Mil y un cuentos”, con Ana Padovani (Argentina)
22 hs – Espectáculo “Flor nueva de romances viejos... pero no tanto”, Javier Tárraga (España)
Domingo 8/11
16 a 19:30 hs – Workshop a cargo de Norberto Presta
21 hs – Espectáculo “Bululú”, con Luis Felipe Alegre (España)
Cierre
*Este Festival es posible gracias al apoyo de: Instituto Nacional del Teatro; Fondo Nacional de las Artes; Embajada de España en Argentina; Gobierno de Aragón y del Centro Dramático de Aragón.
La palabra que emite el cuerpo
Palabra Viva es un espacio propuesto para recuperar la palabra en escena en sus diversas formas. En un marco donde las manifestaciones artísticas multimediales ganan terreno surge la necesidad de construir un lugar para la Palabra dicha, la palabra emitida por un cuerpo; para volver al sonido sin intermediarios tecnológicos. Un humano en conexión con otro humano en el arte de la Palabra.
Un espacio de celebración del lenguaje en donde confluyen las formas modernas de tradiciones antiguas: Narración Oral, Poesía en Escena, Canción, Teatro de texto de pequeño formato.
Palabra Viva busca revitalizar el encuentro entre el artista y el público a través del verbo.
El Festival Palabra Viva se propone ofrecer propuestas basadas en dos tradicionales recursos para acercarse por la palabra al público: Juglaría y Narración Oral.
Estas artes han sabido reformularse, ir modernizándose a través del tiempo manteniendo, con sus variados recursos, una vitalidad que les permite estar, hoy por hoy, tan vigentes como antaño.
Invitados Internacionales
En esta primera edición, dedicada a la juglaría y la narración oral, participarán reconocidos artistas con espectáculos nacionales e internacionales como: Luis Felipe Alegre (grupo El Silbo Vulnerado, España), Javier Tarraga (España), Norberto Presta (Italia), Ana Padovani (Argentina), Juan Marcial Moreno (Argentina) y Martín Ortiz (Argentina).
Espectáculos participantes
Bululú
Con Luis Felipe Alegre
Un espectáculo de El Silbo Vulnerado.
Bululú es un actor que actúa en solitario, con unos mínimos elementos escénicos: los que caben su maleta.
El repertorio que un Bululú presenta al público, depende de sus habilidades actorales, a veces canta, cuenta cuentos, recita poesía, hace bailar los títeres..., siempre buscando la complicidad de su público, la comunicación inmediata.
En resumen, un bululú es, desde tiempos antiguos, el hombre que cuenta teatralmente historias a otros hombres.
El repertorio elegido irá desde clásicos como el Arcipreste de Hita o Quevedo hasta los actuales Ángel González, García Calvo, Juan Gelman, o Leopoldo María Panero, pasando por cuentos y cantos de la Tradición Oral.
Flor Nueva de Romances Viejos… pero no tanto
Con Javier Tárraga
Cuenta Javier Tárraga: La recopilación de romances de M. Pidal posee el valor simbólico de una colección representativa de lo más florido de la poesía oral española, desde sus orígenes documentados. Este espectáculo está hecho de varias piezas, como un rompecabezas. Para guía os diré que habrá romances de ayer, que vivieron en la memoria y podían aflorar en noches de fiesta; y romances de hoy, de los cuales soy autor e ilustrador, y que me atrevo a incluir en la propuesta. El reto será encajarlas como si el tiempo no fuera con nosotros, porque de hecho ocurrirá en un presente absoluto. Detrás de todo ello está la voz que es tierra, arcilla dispuesta a ser modelada por quien se atreva.
Argentino Hasta La Muerte
Con Martín Ortiz.
Un espectáculo sobre textos de Cesar Fernández Moreno.
El espectáculo es una “nueva edición” del programa, La Poesía es para todos, que el mismo César Fernández Moreno condujo en los primeros años de la década del 60’ y que, en esta ocasión, está dedicado, precisamente, a su poesía. Así, como un programa radial visual, con tangos interpretados en vivo (“Yira, Yira” y “Uno”, que el poeta cita en el texto) el espectáculo articula algunos poemas del libro Buenos Aires me vas a matar (15 poemas dispuestos a modo de autobiografía).
Comienza con Argentino hasta la muerte a modo de psicoanálisis humorístico de lo argentino. El núcleo central de la obra es el poema Un argentino en Europa, sobre su primer viaje al Viejo Continente realizado en 1955. Acompañan a estos dos poemas, otros más cortos del mismo libro: Las Palabras, un texto metapoético de 1963, y Débil Mujer, poema de desamor.
Argentino hasta la muerte es un espectáculo de Poesía en Escena, de Poesía dramática, que busca promover el reencuentro con la obra de uno de los grandes y olvidados poetas argentinos a veinte años de su desaparición.
Fragmentos de Vidas Compartidas
De y con Norberto Presta.
Un espectáculo del Centro di Prodzione Teatrale Vía Rosse.
Cuenta Norberto Presta: El espejo da una imagen que me mira sin verme porque está pensando en otra cosa, estoy navegando en la historia y me pierdo. Escribo la historia de uno que se mira al espejo y no sabe quién es, la historia de uno que son muchos. Pienso en la Europa en la que vivo desde hace un cuarto de siglo, una sociedad que no se reconoce porque niega el otro, que pierde su identidad porque niega su historia, sus historias, que olvida y se hace sorda, que está cada vez peor porque sin saber ser rica niega su pobreza, porque siendo humanista olvida su solidaridad, su igualdad, su justicia, olvida lo que aprendió por haber sido víctima y victimaria a un tiempo. Olvida.
Yo que nací en Argentina, que antes de ser italiano fui clandestino en Italia, fui clandestino en Alemania, yo que hoy soy un europeo con pasaporte Argentino, un latino americano con pasaporte Italiano, soy argentino por nacimiento, italiano por mi bisabuelo, extracomunitario, clandestino, inmigrante emigrado migratorio migrante por voluntad y natura. ¿Quién soy?
“Fragmentos de vidas compartidas” no nació de un modo premeditado, apareció como una necesidad oculta, una necesidad de reconocerse partiendo de la propia historia y reconociendo al otro, reconociendo al que no conocemos pero en el que nos reconocemos. Reconocer la propia historia en la historia del otro, aún cuando cada uno tiene la suya. Fueron varias historias que escribí, sin premeditar hacer un espectáculo, pero soy teatrante y lo que escribí fue una necesidad que solo como teatrante puedo comunicar, es decir; haciendo pasar ese texto por mi cuerpo, transformándolo en una secuencia de acciones para encontrar una relación emocional, intelectual, sensitiva, física con el público. Puse todas esas historias juntas, las mezclé, se fueron contaminando y fui descubriendo que eran Fragmentos de vidas compartidas.
La Torre de Mentiras y Los Embusteros Sin Fin
Con Juan Marcial Moreno.
Recital de narración oral resultado de lecturas y traducciones, fuente principal de los cuenteros urbanos. Cuentos tradicionales africanos, un relato del SATIRICÓN de Petronio y un mito boliviano forman parte de esta torre de mentiras que intentaremos destruir. ¿Y si nos quedamos sólo con la verdad?...¿Qué haremos con ella? ¿Y si nos quedamos sin cuentos, sin magia? Mentira, engaño, embuste...cuento, fábula. Ardides, artimañas, camelos, chafalonías, embelecos, embustes, engaños, tretas, frangollos, manganetas, superchería, triquiñuelas...cuentos chinos. Leer, releer, descifrar, adivinar, interpretar...describir, suponer, representar, ejecutar...contar.
Mil y un cuentos
Con Ana Padovani
La actriz despliega su rol de narradora en un abanico de cuentos provenientes de la literatura universal y de la tradición oral que despiertan en el público variadas emociones: la ternura, la reflexión, el suspenso, la sonrisa, la carcajada.
Genera un clima intimista que devuelve a la adultez uno de los mejores momentos de la infancia: disfrutar de los cuentos contados.
La canción, la poesía, la música, la gestualidad, la lectura, la interpretación de los personajes y demás recursos que desenvuelve la protagonista, otorgan a este espectáculo de narración una auténtica dimensión teatral de ricos y variados matices.
El repertorio incluye cuentos de tradición oral y de autores como Roberto Fontanarrosa, Gabriel García Márquez, Niní Marshall, entre otros.
Un párrafo aparte merece la importancia dada a los textos de Niní Marshall de quien Ana Padovani interpreta algunos de sus personajes más emblemáticos, como Catita, Cándida y Mónica. Rinde con ello un homenaje a la inolvidable actriz y expresa su reconocimiento por el apoyo que la propia Niní le infundiera desde el inicio de su carrera.
Sobre El Crisol
Nació en el año 2003 como resultado de la necesidad del grupo Crisol Teatro de consolidarse y asentarse en un inmueble apto para crecer y desarrollar su trabajo artístico y pedagógico con las ventajas de contar con un espacio propio.
A partir de entonces se realizaron distintas actividades que incluyeron la presentación de espectáculos teatrales propios e invitados, la apertura de talleres anuales y seminarios intensivos de distintas disciplinas, la realización de eventos musicales, muestras de artes plásticas y proyección de videos, entre otros.
El Crisol abrió sus puertas por primera vez en el barrio de Caballito, trasladándose en el año 2008 al barrio de Villa Ortúzar. Actualmente cuenta con amplias y confortables instalaciones que incluyen dos salas para espectáculos. La sala principal tiene capacidad para 100 espectadores, mientras que la segunda resulta un espacio más pequeño e intimo, ideal para ensayos o para espectáculos que requieran una cercanía mayor con el público.
Crisol Teatro, responsable de El Crisol, está integrado en forma permanente por Marcela Fraiman, Carina Resnisky y Martín Ortiz.
Publicado en Leedor el 5-11-2009
Por Teresa Gatto
Festival Palabra Viva
Fecha: del 5 al 8 de noviembre
El Crisol: Arismendi 2658, (a pasos de Av de los Incas y Triunvirato) CABA
Espectáculos nacionales: $10
Espectáculos extranjeros: $15
Informes: 011 4523-7605
Correo electrónico: crisolteatro@yahoo.com / crisolteatro@gmail.com
Ver:
Palabra Viva Festival Internacional de la Palabra en escena.
Entre el 5 y 8 de noviembre se llevará a cabo este Festival que busca volver a situar a la palabra en el centro de la representación en un momento en que las nuevas tecnologías y otros lenguajes hacen base en el teatro. La tradición oral que los legó las mejores leyendas y cuentos, la posibilidad de narrar, ese milagro que salvó la vida de Sherezade son el eje de este evento teatral que hará eje en la juglaría y la narración oral. Leedor conversó con la gente de Crisol y estas sus impresiones.
-¿Cómo se gesta el Crisol?
MARCELA FRAIMAN- Básicamente, El Crisol Teatro nace de la necesidad de contar con un espacio propio para poder desarrollar con total libertad nuestros proyectos. Como tantos otros, en un principio alquilábamos una sala de ensayo para producir nuestros espectáculos. Pero pronto vimos que, haciendo un esfuerzo más, podríamos contar con un lugar nuestro. Y cuando tenés un lugar podés imaginar otras cosas, idear otros proyectos, se despiertan otros intereses. Hoy El Crisol Teatro es una Asociación Civil sin Fines de Lucro, en la que desarrollamos nuestros proyectos artísticos y damos espacio a la presentación de las obras de otros artistas tanto teatrales, como de la música, danza y plástica.
-El teatro anterior a las posmodernidad nunca se dio el lujo de prescindir de la palabra ¿porqué creen que hoy abundan tantas puestas en donde la palabra no está o está rota y por sus grietas se filtran los productos tecnológicos u otros lenguajes?
CARINA RESNISKY- El teatro, como todo arte, siempre es reflejo de su época. Estamos atravesando un cambio de paradigma en el que la tecnología ya no es una herramienta inaccesible. La tecnología está al alcance de la sociedad y ya es parte del cotidiano. Esto, sumado a la fragmentación y desarticulación del que se consuma durante todo el siglo XX en diferentes corrientes artísticas, abre la posibilidad de gestar nuevos lenguajes; esa ruptura del siglo XX procedimientos ha aportado formas nuevas. Lo cierto es que, ya entrados en el siglo XXI, e están gestando otras maneras de producir teatralmente.
-En muchas obras hay una apuesta al cine, como si la dificultad de representar encontrara ciertos caminos allanados al apelar a lo visual. ¿Consideran que es sólo una moda pasajera, que hay imposibilidad de narrar lo inefable o son sólo modos de experimentación?
CARINA RESNISKY- Puede que sea una combinación de las tres. “Lo inefable” no se podrá narrar nunca, eso hay que tenerlo claro. La posibilidad de apelar a lenguajes que, en principio, son de otras disciplinas artísticas, permite acechar lo inefable desde distintos ángulos y, de esa manera, quizá, acercarse algo a la posibilidad de manifestarlo. De todos modos, la realidad es que atravesamos una época donde la imagen es un elemento predominante a la hora de generar discurso.
-El festival homenajea a la palabra viva, narradores, juglares, actores de la palabra como era Vilches, he visto que hay una versión del Bululú que en Argentina es sinónimo de José María Vilches, romanceros, letras de César Fernández Moreno que acarició siempre a las palabras, ¿Existe algún patrón para elegir las puestas ya que todas hacen centro en la lengua como material privilegiado?
MARCELA FRAIMAN- PALABRA VIVA, es un espacio propuesto para recuperar la palabra en escena en sus diversas formas. Desde el comienzo lo imaginamos como una celebración del lenguaje donde confluyeran las formas modernas de tradiciones antiguas: Narración Oral, Poesía en escena, Canción, Teatro de texto de pequeño formato. De esa surgen de convocar espectáculos de Juglaría y Narración oral como dos formas tradicionales que han sabido reformularse con el correr del tiempo. Una programación de la que estamos realmente orgullosos, por la calidad y variedad de las propuestas artísticas.
-¿Cuáles son las expectativas para este Festival? ¿Cualitativamente cuál sería la meta a alcanzar?
MARCELA FRAIMAN- Nuestra meta es que PALABRA VIVA sea un espacio donde se revitalice el encuentro entre el artista y el público a través del verbo. Un humano en conexión con otro humano en el arte de la Palabra. Y vemos muy buenas perspectivas en el interés que mucha gente viene mostrando por el Festival, contactándose desde hace varias semanas para reservar sus lugares en todas las actividades tanto funciones como charlas y workshops.
CARINA RESNISKY:-También, en el marco de PALABRA VIVA, aunque no de manera visible para el afuera, generamos constantes espacios de participación e intercambio entre los artistas, lo que es muy gratificante y enriquecedor para todos
Ficha y Programación:
Fecha: del 5 al 8 de noviembre
El Crisol: Arismendi 2658, (a pasos de Av de los Incas y Triunvirato) CABA
Espectáculos nacionales: $10
Espectáculos extranjeros: $15
Informes: 011 4523-7605
Correo electrónico: crisolteatro@yahoo.com / crisolteatro@gmail.com
PROGRAMACIÓN
Jueves 5/11
21 hs – Espectáculo de Apertura: “Argentino hasta la muerte”, con Martín Ortiz (Argentina/España)
Viernes 6/11
17 hs – Charla con Javier Tárraga. “Construcción e interpretación del Romance”.
20 hs – Espectáculo “La torre de mentiras y los embusteros sin fin”, con Juan Marcial Moreno (Argentina)
22 hs – Espectáculo “Fragmentos de vidas compartidas”, con Norberto Presta (Italia)
Sábado 7/11
17 hs – Clase magistral a cargo de Luis Felipe Alegre. “Juglaría. Tradición y actualidad”
20 hs – Espectáculo “Mil y un cuentos”, con Ana Padovani (Argentina)
22 hs – Espectáculo “Flor nueva de romances viejos... pero no tanto”, Javier Tárraga (España)
Domingo 8/11
16 a 19:30 hs – Workshop a cargo de Norberto Presta
21 hs – Espectáculo “Bululú”, con Luis Felipe Alegre (España)
Cierre
*Este Festival es posible gracias al apoyo de: Instituto Nacional del Teatro; Fondo Nacional de las Artes; Embajada de España en Argentina; Gobierno de Aragón y del Centro Dramático de Aragón.
La palabra que emite el cuerpo
Palabra Viva es un espacio propuesto para recuperar la palabra en escena en sus diversas formas. En un marco donde las manifestaciones artísticas multimediales ganan terreno surge la necesidad de construir un lugar para la Palabra dicha, la palabra emitida por un cuerpo; para volver al sonido sin intermediarios tecnológicos. Un humano en conexión con otro humano en el arte de la Palabra.
Un espacio de celebración del lenguaje en donde confluyen las formas modernas de tradiciones antiguas: Narración Oral, Poesía en Escena, Canción, Teatro de texto de pequeño formato.
Palabra Viva busca revitalizar el encuentro entre el artista y el público a través del verbo.
El Festival Palabra Viva se propone ofrecer propuestas basadas en dos tradicionales recursos para acercarse por la palabra al público: Juglaría y Narración Oral.
Estas artes han sabido reformularse, ir modernizándose a través del tiempo manteniendo, con sus variados recursos, una vitalidad que les permite estar, hoy por hoy, tan vigentes como antaño.
Invitados Internacionales
En esta primera edición, dedicada a la juglaría y la narración oral, participarán reconocidos artistas con espectáculos nacionales e internacionales como: Luis Felipe Alegre (grupo El Silbo Vulnerado, España), Javier Tarraga (España), Norberto Presta (Italia), Ana Padovani (Argentina), Juan Marcial Moreno (Argentina) y Martín Ortiz (Argentina).
Espectáculos participantes
Bululú
Con Luis Felipe Alegre
Un espectáculo de El Silbo Vulnerado.
Bululú es un actor que actúa en solitario, con unos mínimos elementos escénicos: los que caben su maleta.
El repertorio que un Bululú presenta al público, depende de sus habilidades actorales, a veces canta, cuenta cuentos, recita poesía, hace bailar los títeres..., siempre buscando la complicidad de su público, la comunicación inmediata.
En resumen, un bululú es, desde tiempos antiguos, el hombre que cuenta teatralmente historias a otros hombres.
El repertorio elegido irá desde clásicos como el Arcipreste de Hita o Quevedo hasta los actuales Ángel González, García Calvo, Juan Gelman, o Leopoldo María Panero, pasando por cuentos y cantos de la Tradición Oral.
Flor Nueva de Romances Viejos… pero no tanto
Con Javier Tárraga
Cuenta Javier Tárraga: La recopilación de romances de M. Pidal posee el valor simbólico de una colección representativa de lo más florido de la poesía oral española, desde sus orígenes documentados. Este espectáculo está hecho de varias piezas, como un rompecabezas. Para guía os diré que habrá romances de ayer, que vivieron en la memoria y podían aflorar en noches de fiesta; y romances de hoy, de los cuales soy autor e ilustrador, y que me atrevo a incluir en la propuesta. El reto será encajarlas como si el tiempo no fuera con nosotros, porque de hecho ocurrirá en un presente absoluto. Detrás de todo ello está la voz que es tierra, arcilla dispuesta a ser modelada por quien se atreva.
Argentino Hasta La Muerte
Con Martín Ortiz.
Un espectáculo sobre textos de Cesar Fernández Moreno.
El espectáculo es una “nueva edición” del programa, La Poesía es para todos, que el mismo César Fernández Moreno condujo en los primeros años de la década del 60’ y que, en esta ocasión, está dedicado, precisamente, a su poesía. Así, como un programa radial visual, con tangos interpretados en vivo (“Yira, Yira” y “Uno”, que el poeta cita en el texto) el espectáculo articula algunos poemas del libro Buenos Aires me vas a matar (15 poemas dispuestos a modo de autobiografía).
Comienza con Argentino hasta la muerte a modo de psicoanálisis humorístico de lo argentino. El núcleo central de la obra es el poema Un argentino en Europa, sobre su primer viaje al Viejo Continente realizado en 1955. Acompañan a estos dos poemas, otros más cortos del mismo libro: Las Palabras, un texto metapoético de 1963, y Débil Mujer, poema de desamor.
Argentino hasta la muerte es un espectáculo de Poesía en Escena, de Poesía dramática, que busca promover el reencuentro con la obra de uno de los grandes y olvidados poetas argentinos a veinte años de su desaparición.
Fragmentos de Vidas Compartidas
De y con Norberto Presta.
Un espectáculo del Centro di Prodzione Teatrale Vía Rosse.
Cuenta Norberto Presta: El espejo da una imagen que me mira sin verme porque está pensando en otra cosa, estoy navegando en la historia y me pierdo. Escribo la historia de uno que se mira al espejo y no sabe quién es, la historia de uno que son muchos. Pienso en la Europa en la que vivo desde hace un cuarto de siglo, una sociedad que no se reconoce porque niega el otro, que pierde su identidad porque niega su historia, sus historias, que olvida y se hace sorda, que está cada vez peor porque sin saber ser rica niega su pobreza, porque siendo humanista olvida su solidaridad, su igualdad, su justicia, olvida lo que aprendió por haber sido víctima y victimaria a un tiempo. Olvida.
Yo que nací en Argentina, que antes de ser italiano fui clandestino en Italia, fui clandestino en Alemania, yo que hoy soy un europeo con pasaporte Argentino, un latino americano con pasaporte Italiano, soy argentino por nacimiento, italiano por mi bisabuelo, extracomunitario, clandestino, inmigrante emigrado migratorio migrante por voluntad y natura. ¿Quién soy?
“Fragmentos de vidas compartidas” no nació de un modo premeditado, apareció como una necesidad oculta, una necesidad de reconocerse partiendo de la propia historia y reconociendo al otro, reconociendo al que no conocemos pero en el que nos reconocemos. Reconocer la propia historia en la historia del otro, aún cuando cada uno tiene la suya. Fueron varias historias que escribí, sin premeditar hacer un espectáculo, pero soy teatrante y lo que escribí fue una necesidad que solo como teatrante puedo comunicar, es decir; haciendo pasar ese texto por mi cuerpo, transformándolo en una secuencia de acciones para encontrar una relación emocional, intelectual, sensitiva, física con el público. Puse todas esas historias juntas, las mezclé, se fueron contaminando y fui descubriendo que eran Fragmentos de vidas compartidas.
La Torre de Mentiras y Los Embusteros Sin Fin
Con Juan Marcial Moreno.
Recital de narración oral resultado de lecturas y traducciones, fuente principal de los cuenteros urbanos. Cuentos tradicionales africanos, un relato del SATIRICÓN de Petronio y un mito boliviano forman parte de esta torre de mentiras que intentaremos destruir. ¿Y si nos quedamos sólo con la verdad?...¿Qué haremos con ella? ¿Y si nos quedamos sin cuentos, sin magia? Mentira, engaño, embuste...cuento, fábula. Ardides, artimañas, camelos, chafalonías, embelecos, embustes, engaños, tretas, frangollos, manganetas, superchería, triquiñuelas...cuentos chinos. Leer, releer, descifrar, adivinar, interpretar...describir, suponer, representar, ejecutar...contar.
Mil y un cuentos
Con Ana Padovani
La actriz despliega su rol de narradora en un abanico de cuentos provenientes de la literatura universal y de la tradición oral que despiertan en el público variadas emociones: la ternura, la reflexión, el suspenso, la sonrisa, la carcajada.
Genera un clima intimista que devuelve a la adultez uno de los mejores momentos de la infancia: disfrutar de los cuentos contados.
La canción, la poesía, la música, la gestualidad, la lectura, la interpretación de los personajes y demás recursos que desenvuelve la protagonista, otorgan a este espectáculo de narración una auténtica dimensión teatral de ricos y variados matices.
El repertorio incluye cuentos de tradición oral y de autores como Roberto Fontanarrosa, Gabriel García Márquez, Niní Marshall, entre otros.
Un párrafo aparte merece la importancia dada a los textos de Niní Marshall de quien Ana Padovani interpreta algunos de sus personajes más emblemáticos, como Catita, Cándida y Mónica. Rinde con ello un homenaje a la inolvidable actriz y expresa su reconocimiento por el apoyo que la propia Niní le infundiera desde el inicio de su carrera.
Sobre El Crisol
Nació en el año 2003 como resultado de la necesidad del grupo Crisol Teatro de consolidarse y asentarse en un inmueble apto para crecer y desarrollar su trabajo artístico y pedagógico con las ventajas de contar con un espacio propio.
A partir de entonces se realizaron distintas actividades que incluyeron la presentación de espectáculos teatrales propios e invitados, la apertura de talleres anuales y seminarios intensivos de distintas disciplinas, la realización de eventos musicales, muestras de artes plásticas y proyección de videos, entre otros.
El Crisol abrió sus puertas por primera vez en el barrio de Caballito, trasladándose en el año 2008 al barrio de Villa Ortúzar. Actualmente cuenta con amplias y confortables instalaciones que incluyen dos salas para espectáculos. La sala principal tiene capacidad para 100 espectadores, mientras que la segunda resulta un espacio más pequeño e intimo, ideal para ensayos o para espectáculos que requieran una cercanía mayor con el público.
Crisol Teatro, responsable de El Crisol, está integrado en forma permanente por Marcela Fraiman, Carina Resnisky y Martín Ortiz.
Publicado en Leedor el 5-11-2009
Star Trek
Me aburrió. Muy militar, mucho combate. Muy lindas las navecitas y los efectos visuales pero me levanté a la mitad.
Perdón, perdón, perdón.
Perdón, perdón, perdón.
Rafael Teicher
Vente - RAFAEL TEICHER
.
Vente toda escrita como un labio
Vente en jeroglíficos mojados
Vente en sexo del viento, a magnetismos
Vente a jangadas, a muérdagos gigantes
Y vente a lunas
Ábreme los huesos como páginas
Ábreme la puerta renegrida del orgasmo
Te dejo venir como un molino
A muslos eléctricos, a relinchos
Tempestad de la palabra, vente.
Si te vienes estás más viva que el arado
Si te vienes las iglesias resplandecen como la cara de un idiota
Vente sin miramientos, sin parasol
Vente como la lengua del niño
Que manen tus relojes en mi olfato
Que manen
Mansa procesión de la seda
Vente en hilos interiores
Sé libre como el tiro
Entrégate como la médula del oro
Date como la decisión de los cabellos
Desahógate como un bouquet de lluvia
Enciérrame en la parusía de tu pelo
Sé mía como las islas
Sé del precipicio como las garras
Sé pura como la multitud de la campana
Los magistrados duermen como salchichas en el plato
No hay medida en la garganta, ni árboles
terminó el mundo
Vente entonces a hurtadillas por los tubos
Deságuate en el cuerpo de mi beso
No seas sólida como la niebla, sé aerostática
Te deseo con el espanto del grifo
Te preciso como a un anfiteatro
Como a la gotera de la cigüeña
Conviértete completa en una mano
Tráete en manojos de roturas hidratantes
Vente como miga de llanto
Te dejo venirte como un avión de primavera
RAFAEL TEICHER escribe junto con Gabriela Bruckner el blog EVA MATER
(Tomado de http://neorrabioso.blogspot.com/2009/11/vente-rafael-teicher.html)
.
Vente toda escrita como un labio
Vente en jeroglíficos mojados
Vente en sexo del viento, a magnetismos
Vente a jangadas, a muérdagos gigantes
Y vente a lunas
Ábreme los huesos como páginas
Ábreme la puerta renegrida del orgasmo
Te dejo venir como un molino
A muslos eléctricos, a relinchos
Tempestad de la palabra, vente.
Si te vienes estás más viva que el arado
Si te vienes las iglesias resplandecen como la cara de un idiota
Vente sin miramientos, sin parasol
Vente como la lengua del niño
Que manen tus relojes en mi olfato
Que manen
Mansa procesión de la seda
Vente en hilos interiores
Sé libre como el tiro
Entrégate como la médula del oro
Date como la decisión de los cabellos
Desahógate como un bouquet de lluvia
Enciérrame en la parusía de tu pelo
Sé mía como las islas
Sé del precipicio como las garras
Sé pura como la multitud de la campana
Los magistrados duermen como salchichas en el plato
No hay medida en la garganta, ni árboles
terminó el mundo
Vente entonces a hurtadillas por los tubos
Deságuate en el cuerpo de mi beso
No seas sólida como la niebla, sé aerostática
Te deseo con el espanto del grifo
Te preciso como a un anfiteatro
Como a la gotera de la cigüeña
Conviértete completa en una mano
Tráete en manojos de roturas hidratantes
Vente como miga de llanto
Te dejo venirte como un avión de primavera
RAFAEL TEICHER escribe junto con Gabriela Bruckner el blog EVA MATER
(Tomado de http://neorrabioso.blogspot.com/2009/11/vente-rafael-teicher.html)
Todavía sueño con mi ex
Es increíble, después de tanta agua bajo el puente, de diez años de terapia, de doce de separación, incluìdos uno de recaída y seis de separaciòn definitiva, cuando el miércoles me anunciaron que, después de dos años de papeleo, está lista mi sentencia de divorcio, anoche soñé otra vez con el padre de mis hijos.
Me justifico diciendo que es la despedida, que yo todavía necesitaría que él me reconociera lo buena que fui, que me dijera que está orgulloso de nuestros hijos (a los que ve salteado, de quienes no recuerda ni cumpleaños, a quienes psicopatea como es su estilo), que me confesara que si fuera más hombre quisiera volver conmigo para tener yo la oportunidad de decirle No, gracias, ya no te quiero.
El sueño fue así (y no me pidan narración sin comentarios de la narradora porque es imposible): Yo estaba embarazada (de él, claro, en el sueño era obvio aunque no nos vièramos desde hace años), medio embarazada, la panza me crecía y me bajaba de a ratos y yo pensaba que eso ya me habìa pasado antes (¿ya lo había soñado antes?) y pensaba si realmente estaba embarazada o era una fantasía mía.
Iba caminando por lugares desconocidos, por calles y plazas, buscaba donde votar algo (???) y no había lugar donde yo estuviera empadronada, me decían que era tarde, que los comicios cerraban a las 18 y eran como las 20.30 y que si quería votara para cumplir pero no era válido. Y yo discutía lo ridículo de la medida, pero era la pedo y seguía caminando.
A mi lado aparecía otra mujer, yo sabía que era la novia de Gustavo y que era mi amiga (nadie que conozca, chicas, no se asusten). La mina me acompañaba a buscarlo a él, hablando de no sé qué, seguro yo reclamaba algo, ella me decía que Gustavo no se caordaba de nada, ni de votar, ni de no sé que otra trámite que parecía muy importante y que cómo esperaba yo que se acordara de que yo tenía que parir. Buena onda con la mina, yo me daba cuenta de que ella lo conocía más que yo y no esperaba peras del olmo.
Llegàbamos a un pozo y yo sabía que Gustavo estaba allá abajo. Para llegar al fondo había que bajar por una escalera de tela. Parecía esas fiambreras de campinj en vez de escalones. Yo bahaba un par de pasos colgada de las sogas y ya con una panza terrible. Gustavo se asoma desde abajo y yo escuchaba voces de sus compañeros de descontrol. Él tenía los ojos y la boca deformados, rojos y llenos de ampollas. Yo le decía Voy a parir y èl me decía Andate. Y no era echarme ni despreciarme era Salvate vos que podés. Y me daba para que los subiera unos cuadernos o àlbunes de fotos (pienso en la interpretación lineal, en un salvá de mí lo valioso, pero no, no sé, no creo tener derecho).
Ojalá tuviera sólo un indicio de que él tiene la vida que quiere y no la que yo quise darle.
Fin
Me justifico diciendo que es la despedida, que yo todavía necesitaría que él me reconociera lo buena que fui, que me dijera que está orgulloso de nuestros hijos (a los que ve salteado, de quienes no recuerda ni cumpleaños, a quienes psicopatea como es su estilo), que me confesara que si fuera más hombre quisiera volver conmigo para tener yo la oportunidad de decirle No, gracias, ya no te quiero.
El sueño fue así (y no me pidan narración sin comentarios de la narradora porque es imposible): Yo estaba embarazada (de él, claro, en el sueño era obvio aunque no nos vièramos desde hace años), medio embarazada, la panza me crecía y me bajaba de a ratos y yo pensaba que eso ya me habìa pasado antes (¿ya lo había soñado antes?) y pensaba si realmente estaba embarazada o era una fantasía mía.
Iba caminando por lugares desconocidos, por calles y plazas, buscaba donde votar algo (???) y no había lugar donde yo estuviera empadronada, me decían que era tarde, que los comicios cerraban a las 18 y eran como las 20.30 y que si quería votara para cumplir pero no era válido. Y yo discutía lo ridículo de la medida, pero era la pedo y seguía caminando.
A mi lado aparecía otra mujer, yo sabía que era la novia de Gustavo y que era mi amiga (nadie que conozca, chicas, no se asusten). La mina me acompañaba a buscarlo a él, hablando de no sé qué, seguro yo reclamaba algo, ella me decía que Gustavo no se caordaba de nada, ni de votar, ni de no sé que otra trámite que parecía muy importante y que cómo esperaba yo que se acordara de que yo tenía que parir. Buena onda con la mina, yo me daba cuenta de que ella lo conocía más que yo y no esperaba peras del olmo.
Llegàbamos a un pozo y yo sabía que Gustavo estaba allá abajo. Para llegar al fondo había que bajar por una escalera de tela. Parecía esas fiambreras de campinj en vez de escalones. Yo bahaba un par de pasos colgada de las sogas y ya con una panza terrible. Gustavo se asoma desde abajo y yo escuchaba voces de sus compañeros de descontrol. Él tenía los ojos y la boca deformados, rojos y llenos de ampollas. Yo le decía Voy a parir y èl me decía Andate. Y no era echarme ni despreciarme era Salvate vos que podés. Y me daba para que los subiera unos cuadernos o àlbunes de fotos (pienso en la interpretación lineal, en un salvá de mí lo valioso, pero no, no sé, no creo tener derecho).
Ojalá tuviera sólo un indicio de que él tiene la vida que quiere y no la que yo quise darle.
Fin
jueves, 5 de noviembre de 2009
Rodolfo Edwars
LA NOVIA DE LOS BEATLES
a Carolina
vos deberías haber sido
novia de alguno de los Beatles
-creo que de Ringo Star-
vos deberías haber sido tapa
de Siete Días
en alguna semana de mil novecientos setenta y tres
vos deberías haber sido
Soledad Silveira
en “Rolando Rivas taxista”
Alberto Migré te hubiera
ornado de gloria los martes
por tus piernas infinitas
deberían haber andado
las largas marchas
las resistencias
las vigilias de ojeras
bañadas en té
es que un río
me atraviesa la cabeza
navegado por canoas incesantes
que hacen puerto en tu sonrisa
flaquita imposible
deja que tu nombre se ingrediente
en la sopa eléctrica
de las zapadas interminables
vos deberías haber filmado
una publicidad de “L M”
a orillas del Sena
o a orillas del Támesis
T.S. Eliot debería
haberte contemplado pasar
apresurada
vos deberías haberte caído
en una bañadera llena de espuma
y después hubieses sonreído a cámara
inmortal y solferina
con rayos multicolores
-un cotillón Argentina Sono Film-
vos deberías haber sido
estatua viviente en el Di Tella
para que los nenes bien te toquen
en máxima picardía
frutilla del postre
aceituna de mi martini
leño de mi hoguera
acumulo todos los lugares comunes
y los arrojo contra el universo
como Hendrix sesenta y nueve
como Pelé en el setenta
gané mi último mundial con vos
y ahora sólo firmo autógrafos
en una mecedora dominguera
sólo el Viagra
sólo el Viagra nos salvará
vociferan en la calle
los piqueteros del sexo
los inmortales hinchapelotas
cuando llueve te imagino en boutiques
por San Telmo por plaza Francia
entreverada con artesanos fumones
y chamanes de ocasión
vos deberías haber sido
la novia que no tuve a los dieciocho años
cuando hervía la muerte
en las pavas de la Patria.
a Carolina
vos deberías haber sido
novia de alguno de los Beatles
-creo que de Ringo Star-
vos deberías haber sido tapa
de Siete Días
en alguna semana de mil novecientos setenta y tres
vos deberías haber sido
Soledad Silveira
en “Rolando Rivas taxista”
Alberto Migré te hubiera
ornado de gloria los martes
por tus piernas infinitas
deberían haber andado
las largas marchas
las resistencias
las vigilias de ojeras
bañadas en té
es que un río
me atraviesa la cabeza
navegado por canoas incesantes
que hacen puerto en tu sonrisa
flaquita imposible
deja que tu nombre se ingrediente
en la sopa eléctrica
de las zapadas interminables
vos deberías haber filmado
una publicidad de “L M”
a orillas del Sena
o a orillas del Támesis
T.S. Eliot debería
haberte contemplado pasar
apresurada
vos deberías haberte caído
en una bañadera llena de espuma
y después hubieses sonreído a cámara
inmortal y solferina
con rayos multicolores
-un cotillón Argentina Sono Film-
vos deberías haber sido
estatua viviente en el Di Tella
para que los nenes bien te toquen
en máxima picardía
frutilla del postre
aceituna de mi martini
leño de mi hoguera
acumulo todos los lugares comunes
y los arrojo contra el universo
como Hendrix sesenta y nueve
como Pelé en el setenta
gané mi último mundial con vos
y ahora sólo firmo autógrafos
en una mecedora dominguera
sólo el Viagra
sólo el Viagra nos salvará
vociferan en la calle
los piqueteros del sexo
los inmortales hinchapelotas
cuando llueve te imagino en boutiques
por San Telmo por plaza Francia
entreverada con artesanos fumones
y chamanes de ocasión
vos deberías haber sido
la novia que no tuve a los dieciocho años
cuando hervía la muerte
en las pavas de la Patria.
miércoles, 4 de noviembre de 2009
La posible identificación de los restos de Federico García Lorca
Viernes, 30 de octubre de 2009
El maleficio de la mariposa
La posible identificación de los restos de Federico García Lorca, víctima de la Guerra Civil Española, y la aparición de un nuevo libro firmado por Ian Gibson que centra su atención en la peripecia homosexual de su biografía, invitan a volver a leer a uno de los más grandes poetas de todos los tiempos.
Por Daniel Link
Una vida
En estos días, la humanidad espera en vilo que los equipos de antropología forense que trabajan en las inmediaciones de Granada por orden del juez Baltasar Garzón descubran e identifiquen los restos de Federico García Lorca, que podrían estar (o no) en una fosa común entre Víznar y Alfacar, donde hay tres mil personas enterradas.
La circunstancia obliga a reexaminar las razones del asesinato del poeta, y también algunos aspectos de su vida.
En sus años escolares le decían Federica, y la prensa de derecha se refería a él, cada vez que querían desacreditar a La Barraca, la compañía teatral que fue una pieza central de la política cultural de la República Española, como Federico García Loca.
Hijo de Vicenta Lorca y Federico García Rodríguez, el que estaría llamado a convertirse en “el poeta español más leído de todos los tiempos” nació el 27 de agosto de 1897 como Federico del Sagrado Corazón de Jesús. Ya adulto, Lorca, cuya pasión por la mentira corría pareja con su pasión por la poesía, la música y el folklore, echó a correr la especie de que no había caminado hasta los cuatro años como consecuencia de una grave enfermedad.
Lo cierto fue que el niño tenía grandes pies planos y la pierna izquierda ligeramente más corta que la derecha, defectos que “con el tiempo prestarían a su manera de andar un característico balanceo o cimbreo corporal” (como nos informa Ian Gibson en su monumental biografía, Federico García Lorca).
Desde el comienzo, Lorca, que ha nacido apenas treinta años después de que por primera vez en la historia de Occidente se imprimiera la palabra “Homosexualität” en un folleto militante, marcha con su andar de pie quebrado hacia lo queer.
Toda la historia de la poesía de Lorca puede leerse como un combate contra los monstruos infernales, y hay un compuesto indiscernible entre autoctonía, sexualidad, naturaleza y cultura que es lo que podríamos reconocer como propiamente lorquiano.
Lábdaco (padre de Layo) quiere decir “rengo”, Layo (padre de Edipo) quiere decir “pie torcido”. Edipo quiere decir “pie hinchado”. Es con esa serie de nombres prestigiosos, en los que la persistencia de la autoctonía humana se inscribe directamente en el cuerpo y el andar (la imposibilidad de salirse totalmente de la tierra), con los que Lorca establece una relación de linaje.
Lo ctónico se opone a lo olímpico como el inframundo se opone a lo celestial.
Es posible glosar el mito de Edipo de muchas formas, pero la lectura que más conviene retener y relacionar con la obra de Lorca es la que lo reconoce como una suerte de instrumento lógico que permite articular una respuesta a la pregunta inicial: “¿Se nace de uno solo, o bien de dos?”. Y a la pregunta derivada: “¿Lo mismo nace de lo mismo o de lo otro?”.
Lo que se llama queer no es sino una etiqueta (la última) para una pregunta radical sostenida en el murmullo de los pájaros: ¿lo Real es Uno o Múltiple? ¿Somos verdaderamente libres o el efecto de un sistema de clasificación sistemática que nos precede?
Lo natural
En un retrato retrospectivo, Lorca ha presentado su infancia en los siguientes términos:
Siendo niño, viví en pleno ambiente de naturaleza (...). En el patio de mi casa había unos chopos. Una tarde se me ocurrió que los chopos cantaban. El viento, al pasar por entre sus ramas, producía un ruido variado en tonos, que a mí se me antojó musical. Y yo solía pasarme las horas acompañando con mi voz la canción de los chopos. Otro día me detuve asombrado. Alguien pronunciaba mi nombre, separando las sílabas como si deletreara: “Fe... de... ri... co”. Miré a todos lados y no vi a nadie. Sin embargo, en mis oídos seguía chicharreando mi nombre. Después de escuchar largo rato, encontré la razón. Eran las ramas de un chopo viejo que, al rozarse entre ellas, producían un ruido monótono, quejumbroso, que a mí me pareció mi nombre.
Cómo el niño-poeta ha podido alucinar en el ruido monótono y quejumbroso de unas ramas viejas su propio nombre sería asunto de la psicología experimental o de la psiquiatría, pero lo cierto es que el relato dice una verdad: el llamado de la tierra como constitutivo de la poética lorquiana, es decir, la imaginación (poética) procede de la naturaleza, es su continuación, y el ser es autóctono (lo vegetal es su modelo). De allí el proyecto nunca abandonado de devenir uno con lo verde (“verdes vientos, verdes ramas”), la dificultad de ese devenir y la consecuente melancolía. El niño ya sabe que el arte no es privilegio del hombre y que constituye un geomorfismo y no un antromorfismo.
Lo animal
El primer libro publicado por Lorca, en 1918, se llama Impresiones y paisajes, y en él ya se deja leer la creciente fricción entre el celestial Sagrado Corazón de Jesús con el que ha sido marcado y su infernal cojera. Libro de poemas, de 1921, se cierra con “El macho cabrío”, fechado en 1919:
¡Cuántos encantos
tiene tu barba,
tu frente ancha,
rudo Don Juan!
¡Qué gran acento el de tu mirada
mefistofélica
y pasional!
(...)
Tu sed de sexo
nunca se apaga;
¡bien aprendiste
del padre Pan!
Todavía no muy lorquiano, el poema muestra la evidente inclinación uranista del joven granadino. Más importante es notar la aparición del aker de los aquelarres. Salido del infierno, mefistofélico, el aker de Lorca abre la puerta de la fragua por donde entrará la omnipresente luz lunar (“la luna vino a la fragua / con su polisón de nardos”). Lorca sacará a la luna de la tradición tardo-romántica y la reintegrará a la tradición celtíbera: el plenilunio de la Turdetania, las comunidades imposibles, las sociedades secretas y los rituales anticristianos de regeneración del mundo son los puntos irisados que organizan la constelación de autoctonía y sexualidad, lo queer de Lorca. La luz lunar, cuyo predicado es el neutro, aparecerá reflejada en los pozos donde duermen su sueño los niños insepultos (sacrificios en altar y sacrificios en pozo se oponen como lo olímpico y lo infernal).
El último poema “estadounidense” de la extraordinaria conferencia “Un poeta en Nueva York” (el libro fue publicado después del asesinato de Lorca) es precisamente “Niña ahogada en un pozo”, que opone infancia y género, es decir: el yo sexuado y el yo de la infancia. La niña de la infancia, Federica, vuelve como la Samara de The Ring a cobrar el precio del sacrificio ctónico. Lo que además regresa en ese poema último de un ciclo es el estribillo, el ritornello del agua que no desemboca. Al agua fija en un punto (el pozo) se opone el agua corriente, como lo Uno de Parménides se opone a lo Múltiple de Heráclito. La niñez estancada contra la niñez que fluye hacia lo múltiple (vegetal o animal): el llamado de la naturaleza y la fuerza de la autoctonía. Así sostiene Lorca un imaginario (homo)sexual, luego de haber atravesado todas las etapas de su pensamiento y ensayado todos los estilos de escritura.
Lo colectivo
En 1922, Lorca pronuncia una conferencia en el Centro Artístico de Granada: “El Cante Jondo. Primitivo canto andaluz”. Es, una vez más, el encuentro con la fatalidad de lo autóctono, pero elevado ahora a programa estético. La pena, dice Lorca, no es del sujeto que canta sino del género y, por esa vía, se instaura una cosmogonía cuyo contenido (y cuya expresión, porque son indiscernibles) es la “nostalgia de lo autóctono”. Mucho más adelante, en 1931, Lorca dirá: “Yo creo que el ser de Granada me inclina a la comprensión simpática de los perseguidos. Del gitano, del negro, del judío... del morisco, que todos llevamos dentro”.
Se trata, ya, de sostener un proceso de desidentificación que implica abrazar una causa, la causa de “los perseguidos” que son, con más precisión, los raros o fuera de clasificación. Lo que canta, lo que habla en Poema del Cante Jondo no es un individuo sino un colectivo indefinido: “el alma andaluza” de naturaleza trágica. Autoctonía y tragedia son el fondo común que encuentra Lorca en las coplas del Cante Jondo: “El Amor y la Muerte... pero un Amor y una Muerte vistos a través de la Sibila, ese personaje tan oriental, verdadera esfinge de Andalucía”. Es el regreso de la esfinge, el monstruo ctónico de Edipo, que vuelve para plantear el enigma de lo Múltiple en lo Uno: no la culpa del desvío sino una ética del abandono y la disidencia; no una política de la reproducción familiar sino la pandemia del contagio.
Sebastián
Más allá de los episodios biográficos (ver recuadro) que desencadenaron el decisivo viaje a Nueva York de Lorca en 1929, lo que se lee en ese momento de vacilación (existencial y estética) es la pregunta sobre cómo conjugar el tradicionalismo autóctono con la destrucción generalizada preconizada por el programa superrealista. Poeta en Nueva York, El público y Así que pasen cinco años, obras póstumas, son el umbral de una transformación profunda. Desde 1925, Lorca ha venido discutiendo con el sinuoso Salvador Dalí y el infame Luis Buñuel temas de estética y, también, de política sexual.
En la “Oda a Salvador Dalí”, publicada en 1926, Lorca anota lo que constituirá una de sus obsesiones en los años siguientes:
¡Oh Salvador Dalí de voz aceitunada!
Digo lo que me dicen tu persona y tus
cuadros.
No alabo tu imperfecto pincel adolescente,
pero canto la firme dirección de tus flechas.
Además de algunos dibujos y cartas dirigidos a Lorca (“¿No habías pensado en lo sin herir del culo de San Sebastián?”), Dalí le dedica en 1927 el extraordinario texto Sant Sebastià, que hace de la figura del mártir una máquina célibe y a partir de la cual desarrolla un elogio de la objetividad y la apatía estéticas, en una dirección que parece contraria a la que Lorca había apuntado en su “Oda”, al colocar al pintor en el lugar del arquero y a sí mismo en posición de víctima sagitaria (en los recuerdos de Dalí, era Lorca quien pretendía sodomizarlo).
En la conferencia “Un poeta en Nueva York”, Lorca escribirá, por única vez, el nombre de la figura que, en su perspectiva, sella la nueva alianza entre lo ctónico y lo poiético: “Convengamos en que una de las actitudes más hermosas del hombre es la actitud de San Sebastián”, escribe sin más aclaración y totalmente fuera de contexto.
Esa inesperada aparición de aquel cuyas glorias cantaron no sólo los grandes pintores europeos del Renacimiento al Barroco (quiero decir: todos ellos) sino, también, Marcel Duchamp y T. S. Eliot, es la clave de la articulación en la que está pensando Lorca, el fundamento de lo queer, la voz que le viene, ahora, a la vez de la tierra y del cielo. Un llamamiento simultáneo al martirologio y a la desclasificación.
El beso (1927), donde su cabeza y la de Dalí aparecen superpuestas.
Dibujo de su época neoyorquina.
Clases
El primer poema que Lorca escribió en Nueva York fue “Oda al rey de Harlem”, donde reaparece la noción de “raza maldita”, la amplificación del tema gitano y, a partir de ese impulso de universalización de motivos autóctonos, un postulado de identificación con esas comunidades imposibles en las cuales no se puede reconocer al semejante porque no hay identificaciones sino sencillamente multiplicidades.
Lorca desarrolla en el más impresionante poema (“Oda a Walt Whitman”), del que será su último libro de poemas planeado como tal, una teoría de la (homo)sexualidad natural (“un desnudo que fuera como un río”) en oposición a una (homo)sexualidad producida socialmente (“pantano oscurísimo donde sumergen a los niños”), donde el agua estancada y el agua que fluye adquieren nuevas connotaciones sin desprenderse de las que ya formaban una constelación omnipresente en su obra.
En Cuba, donde se detiene luego de su período neoyorquino, escribe El público, donde se lee la sorprendente sentencia: “El ano es el fracaso del hombre, es su vergüenza y su muerte”, que, si bien es expresión de un ataque de pánico homosexual que parece continuar el diálogo con Salvador Dalí, también puede interpretarse ya como una teoría del descentramiento y la desclasificación queer en la línea en que lo planteará Severo Sarduy en sus escritos.
Es en Cuba donde finaliza también la “Oda a Walt Whitman”, poema didáctico-doctrinario que vuelve a superponer lo natural y lo construido, lo autóctono y lo celeste, el Sagrado Corazón y el macho cabrío, para excluir del festín de la vida (la “bacanal” de la que participan “los confundidos, los puros, / los clásicos, los señalados, los suplicantes”) únicamente a los “maricas de las ciudades”, “esclavos de la mujer”, “perras de sus tocadores”.
Yo quisiera rescatar a Lorca de estas últimas y penosas palabras que parecen más bien pronunciadas para agradar a sus enemigos (Buñuel y la Falange) que para sostener un proyecto de vida y de arte, un arte de vivir, y de vivir juntos.
Quisiera poder decir que cuando Lorca escribió “¡No haya cuartel!” y “¡Alerta!” no quiso sino alertarnos contra el poder de la normalización, contra el poder de los sistemas clasificatorios que, a través de la injuria, construyen modelos de comportamiento aberrantes que sólo pueden comprenderse como espejos de agua podrida.
Sé que la delicadísima estructura de su obra, su agónica marcha hacia la felicidad (como cosa colectiva), su confianza ciega en el llamado de la naturaleza y en la poesía como respuesta a esas voces que decían su nombre, su compasión por las niñas enterradas en los pozos y los plenilunios precristianos (prehumanistas) que él rescató de la barbarie, así lo autorizan.
La Sagrada Familia celestial, lo comprendió Lorca con una intuición que no alcanzó a desarrollar antes de que lo asesinaran (y lo asesinaron, entre otras cosas, para que no alcanzara a desarrollar esa intuición), no es nada sin San Sebastián, ese abandonado en la Cloaca Máxima: carece de sentido.
Pero prefiero no poner a Lorca en el lugar de su posteridad. Lo leo en el instante en que él sabe que va a morir, como lo sabe del niño músico y poeta que fue, cuya imagen de pie quebrado entrevé en un pozo de agua que no desemboca, víctima de una política de exterminio.
Lo leo en el instante en que elige el desorden y se ofrece como víctima de los sistemas de clasificación, en el instante en que lo queer no tiene todavía un nombre y, por eso mismo, tampoco programa, ni destino.
“Nueva York (oficina y denuncia)”, en Poeta en Nueva York:
¿Qué voy a hacer, ordenar los paisajes?
¿Ordenar los amores que luego son fotografías,
que luego son pedazos de madera y bocanadas de sangre?
No, no; yo denuncio.
Yo denuncio la conjura de estas desiertas oficinas
que no radian las agonías,
que borran los programas de la selva,
y me ofrezco a ser comido por las vacas estrujadas
cuando sus gritos llenan el valle
donde el Hudson se emborracha con aceite.
Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/soy/1-1056-2009-11-04.html
El maleficio de la mariposa
La posible identificación de los restos de Federico García Lorca, víctima de la Guerra Civil Española, y la aparición de un nuevo libro firmado por Ian Gibson que centra su atención en la peripecia homosexual de su biografía, invitan a volver a leer a uno de los más grandes poetas de todos los tiempos.
Por Daniel Link
Una vida
En estos días, la humanidad espera en vilo que los equipos de antropología forense que trabajan en las inmediaciones de Granada por orden del juez Baltasar Garzón descubran e identifiquen los restos de Federico García Lorca, que podrían estar (o no) en una fosa común entre Víznar y Alfacar, donde hay tres mil personas enterradas.
La circunstancia obliga a reexaminar las razones del asesinato del poeta, y también algunos aspectos de su vida.
En sus años escolares le decían Federica, y la prensa de derecha se refería a él, cada vez que querían desacreditar a La Barraca, la compañía teatral que fue una pieza central de la política cultural de la República Española, como Federico García Loca.
Hijo de Vicenta Lorca y Federico García Rodríguez, el que estaría llamado a convertirse en “el poeta español más leído de todos los tiempos” nació el 27 de agosto de 1897 como Federico del Sagrado Corazón de Jesús. Ya adulto, Lorca, cuya pasión por la mentira corría pareja con su pasión por la poesía, la música y el folklore, echó a correr la especie de que no había caminado hasta los cuatro años como consecuencia de una grave enfermedad.
Lo cierto fue que el niño tenía grandes pies planos y la pierna izquierda ligeramente más corta que la derecha, defectos que “con el tiempo prestarían a su manera de andar un característico balanceo o cimbreo corporal” (como nos informa Ian Gibson en su monumental biografía, Federico García Lorca).
Desde el comienzo, Lorca, que ha nacido apenas treinta años después de que por primera vez en la historia de Occidente se imprimiera la palabra “Homosexualität” en un folleto militante, marcha con su andar de pie quebrado hacia lo queer.
Toda la historia de la poesía de Lorca puede leerse como un combate contra los monstruos infernales, y hay un compuesto indiscernible entre autoctonía, sexualidad, naturaleza y cultura que es lo que podríamos reconocer como propiamente lorquiano.
Lábdaco (padre de Layo) quiere decir “rengo”, Layo (padre de Edipo) quiere decir “pie torcido”. Edipo quiere decir “pie hinchado”. Es con esa serie de nombres prestigiosos, en los que la persistencia de la autoctonía humana se inscribe directamente en el cuerpo y el andar (la imposibilidad de salirse totalmente de la tierra), con los que Lorca establece una relación de linaje.
Lo ctónico se opone a lo olímpico como el inframundo se opone a lo celestial.
Es posible glosar el mito de Edipo de muchas formas, pero la lectura que más conviene retener y relacionar con la obra de Lorca es la que lo reconoce como una suerte de instrumento lógico que permite articular una respuesta a la pregunta inicial: “¿Se nace de uno solo, o bien de dos?”. Y a la pregunta derivada: “¿Lo mismo nace de lo mismo o de lo otro?”.
Lo que se llama queer no es sino una etiqueta (la última) para una pregunta radical sostenida en el murmullo de los pájaros: ¿lo Real es Uno o Múltiple? ¿Somos verdaderamente libres o el efecto de un sistema de clasificación sistemática que nos precede?
Lo natural
En un retrato retrospectivo, Lorca ha presentado su infancia en los siguientes términos:
Siendo niño, viví en pleno ambiente de naturaleza (...). En el patio de mi casa había unos chopos. Una tarde se me ocurrió que los chopos cantaban. El viento, al pasar por entre sus ramas, producía un ruido variado en tonos, que a mí se me antojó musical. Y yo solía pasarme las horas acompañando con mi voz la canción de los chopos. Otro día me detuve asombrado. Alguien pronunciaba mi nombre, separando las sílabas como si deletreara: “Fe... de... ri... co”. Miré a todos lados y no vi a nadie. Sin embargo, en mis oídos seguía chicharreando mi nombre. Después de escuchar largo rato, encontré la razón. Eran las ramas de un chopo viejo que, al rozarse entre ellas, producían un ruido monótono, quejumbroso, que a mí me pareció mi nombre.
Cómo el niño-poeta ha podido alucinar en el ruido monótono y quejumbroso de unas ramas viejas su propio nombre sería asunto de la psicología experimental o de la psiquiatría, pero lo cierto es que el relato dice una verdad: el llamado de la tierra como constitutivo de la poética lorquiana, es decir, la imaginación (poética) procede de la naturaleza, es su continuación, y el ser es autóctono (lo vegetal es su modelo). De allí el proyecto nunca abandonado de devenir uno con lo verde (“verdes vientos, verdes ramas”), la dificultad de ese devenir y la consecuente melancolía. El niño ya sabe que el arte no es privilegio del hombre y que constituye un geomorfismo y no un antromorfismo.
Lo animal
El primer libro publicado por Lorca, en 1918, se llama Impresiones y paisajes, y en él ya se deja leer la creciente fricción entre el celestial Sagrado Corazón de Jesús con el que ha sido marcado y su infernal cojera. Libro de poemas, de 1921, se cierra con “El macho cabrío”, fechado en 1919:
¡Cuántos encantos
tiene tu barba,
tu frente ancha,
rudo Don Juan!
¡Qué gran acento el de tu mirada
mefistofélica
y pasional!
(...)
Tu sed de sexo
nunca se apaga;
¡bien aprendiste
del padre Pan!
Todavía no muy lorquiano, el poema muestra la evidente inclinación uranista del joven granadino. Más importante es notar la aparición del aker de los aquelarres. Salido del infierno, mefistofélico, el aker de Lorca abre la puerta de la fragua por donde entrará la omnipresente luz lunar (“la luna vino a la fragua / con su polisón de nardos”). Lorca sacará a la luna de la tradición tardo-romántica y la reintegrará a la tradición celtíbera: el plenilunio de la Turdetania, las comunidades imposibles, las sociedades secretas y los rituales anticristianos de regeneración del mundo son los puntos irisados que organizan la constelación de autoctonía y sexualidad, lo queer de Lorca. La luz lunar, cuyo predicado es el neutro, aparecerá reflejada en los pozos donde duermen su sueño los niños insepultos (sacrificios en altar y sacrificios en pozo se oponen como lo olímpico y lo infernal).
El último poema “estadounidense” de la extraordinaria conferencia “Un poeta en Nueva York” (el libro fue publicado después del asesinato de Lorca) es precisamente “Niña ahogada en un pozo”, que opone infancia y género, es decir: el yo sexuado y el yo de la infancia. La niña de la infancia, Federica, vuelve como la Samara de The Ring a cobrar el precio del sacrificio ctónico. Lo que además regresa en ese poema último de un ciclo es el estribillo, el ritornello del agua que no desemboca. Al agua fija en un punto (el pozo) se opone el agua corriente, como lo Uno de Parménides se opone a lo Múltiple de Heráclito. La niñez estancada contra la niñez que fluye hacia lo múltiple (vegetal o animal): el llamado de la naturaleza y la fuerza de la autoctonía. Así sostiene Lorca un imaginario (homo)sexual, luego de haber atravesado todas las etapas de su pensamiento y ensayado todos los estilos de escritura.
Lo colectivo
En 1922, Lorca pronuncia una conferencia en el Centro Artístico de Granada: “El Cante Jondo. Primitivo canto andaluz”. Es, una vez más, el encuentro con la fatalidad de lo autóctono, pero elevado ahora a programa estético. La pena, dice Lorca, no es del sujeto que canta sino del género y, por esa vía, se instaura una cosmogonía cuyo contenido (y cuya expresión, porque son indiscernibles) es la “nostalgia de lo autóctono”. Mucho más adelante, en 1931, Lorca dirá: “Yo creo que el ser de Granada me inclina a la comprensión simpática de los perseguidos. Del gitano, del negro, del judío... del morisco, que todos llevamos dentro”.
Se trata, ya, de sostener un proceso de desidentificación que implica abrazar una causa, la causa de “los perseguidos” que son, con más precisión, los raros o fuera de clasificación. Lo que canta, lo que habla en Poema del Cante Jondo no es un individuo sino un colectivo indefinido: “el alma andaluza” de naturaleza trágica. Autoctonía y tragedia son el fondo común que encuentra Lorca en las coplas del Cante Jondo: “El Amor y la Muerte... pero un Amor y una Muerte vistos a través de la Sibila, ese personaje tan oriental, verdadera esfinge de Andalucía”. Es el regreso de la esfinge, el monstruo ctónico de Edipo, que vuelve para plantear el enigma de lo Múltiple en lo Uno: no la culpa del desvío sino una ética del abandono y la disidencia; no una política de la reproducción familiar sino la pandemia del contagio.
Sebastián
Más allá de los episodios biográficos (ver recuadro) que desencadenaron el decisivo viaje a Nueva York de Lorca en 1929, lo que se lee en ese momento de vacilación (existencial y estética) es la pregunta sobre cómo conjugar el tradicionalismo autóctono con la destrucción generalizada preconizada por el programa superrealista. Poeta en Nueva York, El público y Así que pasen cinco años, obras póstumas, son el umbral de una transformación profunda. Desde 1925, Lorca ha venido discutiendo con el sinuoso Salvador Dalí y el infame Luis Buñuel temas de estética y, también, de política sexual.
En la “Oda a Salvador Dalí”, publicada en 1926, Lorca anota lo que constituirá una de sus obsesiones en los años siguientes:
¡Oh Salvador Dalí de voz aceitunada!
Digo lo que me dicen tu persona y tus
cuadros.
No alabo tu imperfecto pincel adolescente,
pero canto la firme dirección de tus flechas.
Además de algunos dibujos y cartas dirigidos a Lorca (“¿No habías pensado en lo sin herir del culo de San Sebastián?”), Dalí le dedica en 1927 el extraordinario texto Sant Sebastià, que hace de la figura del mártir una máquina célibe y a partir de la cual desarrolla un elogio de la objetividad y la apatía estéticas, en una dirección que parece contraria a la que Lorca había apuntado en su “Oda”, al colocar al pintor en el lugar del arquero y a sí mismo en posición de víctima sagitaria (en los recuerdos de Dalí, era Lorca quien pretendía sodomizarlo).
En la conferencia “Un poeta en Nueva York”, Lorca escribirá, por única vez, el nombre de la figura que, en su perspectiva, sella la nueva alianza entre lo ctónico y lo poiético: “Convengamos en que una de las actitudes más hermosas del hombre es la actitud de San Sebastián”, escribe sin más aclaración y totalmente fuera de contexto.
Esa inesperada aparición de aquel cuyas glorias cantaron no sólo los grandes pintores europeos del Renacimiento al Barroco (quiero decir: todos ellos) sino, también, Marcel Duchamp y T. S. Eliot, es la clave de la articulación en la que está pensando Lorca, el fundamento de lo queer, la voz que le viene, ahora, a la vez de la tierra y del cielo. Un llamamiento simultáneo al martirologio y a la desclasificación.
El beso (1927), donde su cabeza y la de Dalí aparecen superpuestas.
Dibujo de su época neoyorquina.
Clases
El primer poema que Lorca escribió en Nueva York fue “Oda al rey de Harlem”, donde reaparece la noción de “raza maldita”, la amplificación del tema gitano y, a partir de ese impulso de universalización de motivos autóctonos, un postulado de identificación con esas comunidades imposibles en las cuales no se puede reconocer al semejante porque no hay identificaciones sino sencillamente multiplicidades.
Lorca desarrolla en el más impresionante poema (“Oda a Walt Whitman”), del que será su último libro de poemas planeado como tal, una teoría de la (homo)sexualidad natural (“un desnudo que fuera como un río”) en oposición a una (homo)sexualidad producida socialmente (“pantano oscurísimo donde sumergen a los niños”), donde el agua estancada y el agua que fluye adquieren nuevas connotaciones sin desprenderse de las que ya formaban una constelación omnipresente en su obra.
En Cuba, donde se detiene luego de su período neoyorquino, escribe El público, donde se lee la sorprendente sentencia: “El ano es el fracaso del hombre, es su vergüenza y su muerte”, que, si bien es expresión de un ataque de pánico homosexual que parece continuar el diálogo con Salvador Dalí, también puede interpretarse ya como una teoría del descentramiento y la desclasificación queer en la línea en que lo planteará Severo Sarduy en sus escritos.
Es en Cuba donde finaliza también la “Oda a Walt Whitman”, poema didáctico-doctrinario que vuelve a superponer lo natural y lo construido, lo autóctono y lo celeste, el Sagrado Corazón y el macho cabrío, para excluir del festín de la vida (la “bacanal” de la que participan “los confundidos, los puros, / los clásicos, los señalados, los suplicantes”) únicamente a los “maricas de las ciudades”, “esclavos de la mujer”, “perras de sus tocadores”.
Yo quisiera rescatar a Lorca de estas últimas y penosas palabras que parecen más bien pronunciadas para agradar a sus enemigos (Buñuel y la Falange) que para sostener un proyecto de vida y de arte, un arte de vivir, y de vivir juntos.
Quisiera poder decir que cuando Lorca escribió “¡No haya cuartel!” y “¡Alerta!” no quiso sino alertarnos contra el poder de la normalización, contra el poder de los sistemas clasificatorios que, a través de la injuria, construyen modelos de comportamiento aberrantes que sólo pueden comprenderse como espejos de agua podrida.
Sé que la delicadísima estructura de su obra, su agónica marcha hacia la felicidad (como cosa colectiva), su confianza ciega en el llamado de la naturaleza y en la poesía como respuesta a esas voces que decían su nombre, su compasión por las niñas enterradas en los pozos y los plenilunios precristianos (prehumanistas) que él rescató de la barbarie, así lo autorizan.
La Sagrada Familia celestial, lo comprendió Lorca con una intuición que no alcanzó a desarrollar antes de que lo asesinaran (y lo asesinaron, entre otras cosas, para que no alcanzara a desarrollar esa intuición), no es nada sin San Sebastián, ese abandonado en la Cloaca Máxima: carece de sentido.
Pero prefiero no poner a Lorca en el lugar de su posteridad. Lo leo en el instante en que él sabe que va a morir, como lo sabe del niño músico y poeta que fue, cuya imagen de pie quebrado entrevé en un pozo de agua que no desemboca, víctima de una política de exterminio.
Lo leo en el instante en que elige el desorden y se ofrece como víctima de los sistemas de clasificación, en el instante en que lo queer no tiene todavía un nombre y, por eso mismo, tampoco programa, ni destino.
“Nueva York (oficina y denuncia)”, en Poeta en Nueva York:
¿Qué voy a hacer, ordenar los paisajes?
¿Ordenar los amores que luego son fotografías,
que luego son pedazos de madera y bocanadas de sangre?
No, no; yo denuncio.
Yo denuncio la conjura de estas desiertas oficinas
que no radian las agonías,
que borran los programas de la selva,
y me ofrezco a ser comido por las vacas estrujadas
cuando sus gritos llenan el valle
donde el Hudson se emborracha con aceite.
Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/soy/1-1056-2009-11-04.html
Historia no oficial
Los casos de recuperación de hijos de desaparecidos me conmueven terriblemente, me duele imaginar el dolor de tantas personas, la profundidad y lo irreparable de esos dolores.
Acabo de leer en el diario y publicado aquí la historia de otra recuperación. Y me imaginé un dolor en el que no había pensado antes: el de la madre apropiadora, el de la mujer que a los 50 años en este caso recidió un bebé, sabiendo todo lo que sabía, ignorando o pretendiendo ignorar vaya una a saber cuantas cosas para sobrevivir y para criar a ese niño.
Dice la nota que el hijo dice que la supesta madre le hacía ver en la tele los casos de nietos recuperados: ¿Qué le quería decr esa mujer y no podía? ¿Cuàntos nudos habría en su garganta?
¿Y cómo es posible que el hijo heredara los gustos y preferencias de la madre biológica si lo separaron de ella tan pronto? Imagino a la mujer con hijo ajeno reproduciendo condiciones y formas de la madre real para "robarle" un centèsimo menos a esa criatura que es muy posible que haya amado.
Pavada de historia. Ojalá pudiera escribirla.
Acabo de leer en el diario y publicado aquí la historia de otra recuperación. Y me imaginé un dolor en el que no había pensado antes: el de la madre apropiadora, el de la mujer que a los 50 años en este caso recidió un bebé, sabiendo todo lo que sabía, ignorando o pretendiendo ignorar vaya una a saber cuantas cosas para sobrevivir y para criar a ese niño.
Dice la nota que el hijo dice que la supesta madre le hacía ver en la tele los casos de nietos recuperados: ¿Qué le quería decr esa mujer y no podía? ¿Cuàntos nudos habría en su garganta?
¿Y cómo es posible que el hijo heredara los gustos y preferencias de la madre biológica si lo separaron de ella tan pronto? Imagino a la mujer con hijo ajeno reproduciendo condiciones y formas de la madre real para "robarle" un centèsimo menos a esa criatura que es muy posible que haya amado.
Pavada de historia. Ojalá pudiera escribirla.
Miguel Molfino, hermano de Marcela y tío del joven recuperado
El país|Miércoles, 4 de noviembre de 2009
Miguel Molfino, hermano de Marcela y tío del joven recuperado
“No imaginábamos nada de esto”
En esta entrevista, Miguel Molfino cuenta la intimidad del encuentro de la familia con Martín. Revela que recién se enteraron de la existencia del joven cuando los llamaron para hacerse el ADN.
Por Alejandra Dandan
Miguel Molfino estaba detenido a disposición del Poder Ejecutivo nacional cuando secuestraron a su hermana. A esa altura, la familia vivía una suerte de diáspora entre hermanos y cuñados detenidos en las cárceles mientras que otros habían marchado al exilio. Más de treinta años después, llegó un día en el que recibió la noticia de que desde la Conadi querían hacerles una extracción de sangre para obtener una muestra de ADN. Buena parte de la familia pensó en lo único que alguien podía llegar a imaginarse: creyeron que habrían aparecido los restos del cuerpo de su hermana Marcela.
–¿Usted dijo que Martín había sido doblemente desaparecido?
–No habíamos tenido noticias de mi hermana desde el secuestro –dice Molfino–. Y encima, como se la habían llevado herida, qué sé yo... No nos imaginábamos nada de esto.
–¿Su hermana y su cuñado no estaban juntos en ese momento, verdad?
–Ella cae con uno de sus cuñados, un hermano de Guillermo, en la casa, el 17 de octubre de 1979. Guillermo cayó en un bar durante la contraofensiva, se supone que para ese entonces estaban retirándose, se venían cosas muy fuertes. Después pasa el tiempo, sucede lo de mi vieja, la muerte en España (ver recuadro) y bueno, los chicos, los tres hijos de Marcela y de Guillermo, son devueltos digamos que inmediatamente a la familia Amarilla. Pero a lo que voy con todo esto es que en paralelo, en todos estos años, Martín, según nos dice ahora, empieza a tener la sospecha de quién es en realidad.
–¿Cómo se enteraron ustedes?
–Nos enteramos de que existía cuando vienen de Conadi a sacarnos sangre para el ADN. Yo no lo creía. Les decía a mis hermanos, pero ¿puede ser? ¿Puede ser el regreso de los muertos vivos? No sé. Pero me equivoqué, porque hace tres días llama Carlotto para avisarme que había aparecido el cuarto hijo de Marcela y del Negro Amarilla.
–Impresiona.
–Impresionante fue la ceremonia del reencuentro, la intimidad. En un momento dado sentíamos que había pasado una eternidad, esperamos una hora y media en una habitación contigua al lugar donde estaban contándole la historia. Ahí entró y lo vimos.
–¿Y?
–Muy parecido a sus hermanos. Tenía el lóbulo de la oreja pegado, como lo tienen ellos, y es parecido al padre y apenas se vieron lo que fue impresionante es que se sentaron los cuatro juntos. Los cuatro hermanos y automáticamente entre ellos se generó toda la charla, los comentarios y Martín tenía que bancarse además la presentación de tantos parientes y anécdotas porque fuimos como treinta.
–¿Qué fue lo primero que preguntó?
–Dijo: “Quiero conocer a mi mamá”. Y entonces le pasamos una foto de Marcela, la miró y dijo: “Qué linda que era”.
–¿No pudo ver una imagen hasta ese momento? ¿El tampoco sabía quiénes podían ser sus padres?
–Exacto, por eso él dijo: “Quiero conocer a mi mamá”. Y después nos preguntó por qué vivíamos en Chaco. Le contamos que algunos vivían en Buenos Aires, otros allá. También le contamos cómo eran lo padres.
–¿Cómo eran?
–En la casa de los Molfino se reunían todos los hijos, con los novios, la mitad PRT y la otra mitad Montoneros, con distintos grados de compromiso. Y mi vieja, que cocinaba ravioles para el griterío de política de los domingos, estaba ahí mientras se hablaba a los gritos del socialismo nacional o de la guerra popular. Eso era mi casa. Martín sobre todo escuchaba. Nosotros hablamos entre nosotros, no le dábamos pelota porque nos acordábamos de cosas y él nos miraba con esos gestos muy parecidos al padre, manso, tranquilo, cauto.
–¿Qué hace Martín?
–Dijo que es músico y que estudia teatro. Y entonces preguntó qué hacía la madre, y se emocionó cuando le dijimos Filosofía y Letras, porque también él había estudiado. Después dejó, estudia en el conservatorio de música. Y entonces dijo que está aprendiendo acordeón a piano. “El instrumento que tocaba tu mamá”, le dijimos. Todos quedamos impresionados.
–¿Cómo se vive un momento como éste?
–Yo te digo, cuando lo vi entrar no tuve un sollozo. Pero pensé en qué raza de Caín tan fiero pudo imaginar una cosa tan terrible como destrozar a una familia. Pensé en mi hermana. Me imaginé ese infierno en Campo de Mayo, atravesando el largo período de embarazo, los golpes, la mugre, los gritos. Mi hermana Alejandra también se imaginó esa sensación terrible, pero al principio y después, una alegría gigante.
–¿Cómo es esa alegría?
–Porque es una gran reivindicación en el sentido de que quisieron destrozarnos como perros rabiosos, pedazo por pedazo sacar el cuerpo de una familia y fijate vos cómo nos volvemos a juntar, más allá de los muertos o desaparecidos. Son como los restos del naufragio que cada tanto llegan a la playa desde un barco que parecía destruido totalmente. Tengo la sensación de justicia humana, de justicia en el sentido de la existencia, digamos. De una cosa que merecía él, Martín y muy después nosotros. Sobre todo Martincito, que imaginate lo que debe sentir.
–¿Qué cree usted?
–Anoche se encontró con otro apellido y otra vida. Es un mambo feroz. Finalmente esto tiene un final harto feliz. Sus hermanos se quedaron en Buenos Aires unos días para conocerse más porque los Amarilla son tan unidos, esos chicos que parecen siameses. Son compañeros como un puño cerrado.
Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/elpais/subnotas/134670-43433-2009-11-04.html
Miguel Molfino, hermano de Marcela y tío del joven recuperado
“No imaginábamos nada de esto”
En esta entrevista, Miguel Molfino cuenta la intimidad del encuentro de la familia con Martín. Revela que recién se enteraron de la existencia del joven cuando los llamaron para hacerse el ADN.
Por Alejandra Dandan
Miguel Molfino estaba detenido a disposición del Poder Ejecutivo nacional cuando secuestraron a su hermana. A esa altura, la familia vivía una suerte de diáspora entre hermanos y cuñados detenidos en las cárceles mientras que otros habían marchado al exilio. Más de treinta años después, llegó un día en el que recibió la noticia de que desde la Conadi querían hacerles una extracción de sangre para obtener una muestra de ADN. Buena parte de la familia pensó en lo único que alguien podía llegar a imaginarse: creyeron que habrían aparecido los restos del cuerpo de su hermana Marcela.
–¿Usted dijo que Martín había sido doblemente desaparecido?
–No habíamos tenido noticias de mi hermana desde el secuestro –dice Molfino–. Y encima, como se la habían llevado herida, qué sé yo... No nos imaginábamos nada de esto.
–¿Su hermana y su cuñado no estaban juntos en ese momento, verdad?
–Ella cae con uno de sus cuñados, un hermano de Guillermo, en la casa, el 17 de octubre de 1979. Guillermo cayó en un bar durante la contraofensiva, se supone que para ese entonces estaban retirándose, se venían cosas muy fuertes. Después pasa el tiempo, sucede lo de mi vieja, la muerte en España (ver recuadro) y bueno, los chicos, los tres hijos de Marcela y de Guillermo, son devueltos digamos que inmediatamente a la familia Amarilla. Pero a lo que voy con todo esto es que en paralelo, en todos estos años, Martín, según nos dice ahora, empieza a tener la sospecha de quién es en realidad.
–¿Cómo se enteraron ustedes?
–Nos enteramos de que existía cuando vienen de Conadi a sacarnos sangre para el ADN. Yo no lo creía. Les decía a mis hermanos, pero ¿puede ser? ¿Puede ser el regreso de los muertos vivos? No sé. Pero me equivoqué, porque hace tres días llama Carlotto para avisarme que había aparecido el cuarto hijo de Marcela y del Negro Amarilla.
–Impresiona.
–Impresionante fue la ceremonia del reencuentro, la intimidad. En un momento dado sentíamos que había pasado una eternidad, esperamos una hora y media en una habitación contigua al lugar donde estaban contándole la historia. Ahí entró y lo vimos.
–¿Y?
–Muy parecido a sus hermanos. Tenía el lóbulo de la oreja pegado, como lo tienen ellos, y es parecido al padre y apenas se vieron lo que fue impresionante es que se sentaron los cuatro juntos. Los cuatro hermanos y automáticamente entre ellos se generó toda la charla, los comentarios y Martín tenía que bancarse además la presentación de tantos parientes y anécdotas porque fuimos como treinta.
–¿Qué fue lo primero que preguntó?
–Dijo: “Quiero conocer a mi mamá”. Y entonces le pasamos una foto de Marcela, la miró y dijo: “Qué linda que era”.
–¿No pudo ver una imagen hasta ese momento? ¿El tampoco sabía quiénes podían ser sus padres?
–Exacto, por eso él dijo: “Quiero conocer a mi mamá”. Y después nos preguntó por qué vivíamos en Chaco. Le contamos que algunos vivían en Buenos Aires, otros allá. También le contamos cómo eran lo padres.
–¿Cómo eran?
–En la casa de los Molfino se reunían todos los hijos, con los novios, la mitad PRT y la otra mitad Montoneros, con distintos grados de compromiso. Y mi vieja, que cocinaba ravioles para el griterío de política de los domingos, estaba ahí mientras se hablaba a los gritos del socialismo nacional o de la guerra popular. Eso era mi casa. Martín sobre todo escuchaba. Nosotros hablamos entre nosotros, no le dábamos pelota porque nos acordábamos de cosas y él nos miraba con esos gestos muy parecidos al padre, manso, tranquilo, cauto.
–¿Qué hace Martín?
–Dijo que es músico y que estudia teatro. Y entonces preguntó qué hacía la madre, y se emocionó cuando le dijimos Filosofía y Letras, porque también él había estudiado. Después dejó, estudia en el conservatorio de música. Y entonces dijo que está aprendiendo acordeón a piano. “El instrumento que tocaba tu mamá”, le dijimos. Todos quedamos impresionados.
–¿Cómo se vive un momento como éste?
–Yo te digo, cuando lo vi entrar no tuve un sollozo. Pero pensé en qué raza de Caín tan fiero pudo imaginar una cosa tan terrible como destrozar a una familia. Pensé en mi hermana. Me imaginé ese infierno en Campo de Mayo, atravesando el largo período de embarazo, los golpes, la mugre, los gritos. Mi hermana Alejandra también se imaginó esa sensación terrible, pero al principio y después, una alegría gigante.
–¿Cómo es esa alegría?
–Porque es una gran reivindicación en el sentido de que quisieron destrozarnos como perros rabiosos, pedazo por pedazo sacar el cuerpo de una familia y fijate vos cómo nos volvemos a juntar, más allá de los muertos o desaparecidos. Son como los restos del naufragio que cada tanto llegan a la playa desde un barco que parecía destruido totalmente. Tengo la sensación de justicia humana, de justicia en el sentido de la existencia, digamos. De una cosa que merecía él, Martín y muy después nosotros. Sobre todo Martincito, que imaginate lo que debe sentir.
–¿Qué cree usted?
–Anoche se encontró con otro apellido y otra vida. Es un mambo feroz. Finalmente esto tiene un final harto feliz. Sus hermanos se quedaron en Buenos Aires unos días para conocerse más porque los Amarilla son tan unidos, esos chicos que parecen siameses. Son compañeros como un puño cerrado.
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Martín Amarilla-Molfino, el nieto restituido número 98
El país|Miércoles, 4 de noviembre de 2009
Las Abuelas de Plaza de Mayo presentaron el caso de Martín Amarilla-Molfino, el nieto restituido número 98
Otra historia de identidad recuperada
Es el hijo de Guillermo Amarilla y Marcela Molfino, dos militantes montoneros secuestrados durante la contraofensiva que permanecen desaparecidos. Fue apropiado por un agente de inteligencia del Ejército.
Por Alejandra Dandan
Cuando alguien le preguntaba por el padre, Martín escondía las fotos. Decía que era un oficinista. Y jamás mostraba aquellas en las que aparecía con el uniforme militar. El hombre, un agente de inteligencia del Ejército, murió cuando él cumplió quince años. A partir de entonces, Martín empezó a sospechar de algunas verdades de su vida. Se acercó a Abuelas de Plaza de Mayo hace dos años para averiguar si era hijo de desaparecidos, pero la primera búsqueda no dio resultados positivos. Su madre dio a luz ocho meses después del secuestro, su cuerpo desapareció y su familia nunca pudo avisar del embarazo. Un testimonio reciente de un “arrepentido” le permitió a las Abuelas continuar con la búsqueda y enlazar la historia de Martín con sus padres Marcela Molfino y Guillermo Amarilla, dos militantes Montoneros, secuestrados en octubre de 1979, hoy desaparecidos. Las Abuelas de Plaza de Mayo ayer presentaron la historia de su restitución, la número noventa y ocho. Anoche, Martín Amarilla Molfino fue recibido por la presidenta Cristina Kirchner en su despacho.
“Martín nunca había visto fotos del embarazo de la supuesta madre y eso empezó a provocarle algunas dudas”, cuenta Donato Amarilla, hermano del padre de Martín, poco después de la conferencia de prensa, ofrecida por Abuelas en la sede de la organización. “A los quince años, más o menos, empezó a buscar fotos y después, al mirar la partida de nacimiento, cayó en la cuenta de que la señora en cuestión tenía más de cincuenta años cuando nació él.”
Las dudas de Martín empezaron tras la muerte de la persona que decía ser su padre. Y probablemente a partir de ese momento haya prestado más atención a su partida. Según ese documento, él nació el 17 de mayo de 1980 en el hospital militar de Campo de Mayo, una de los edificios de la unidad militar que funcionaba como maternidad clandestina para muchas detenidas políticas. Martín no sabía nada de eso, pero iba viendo que en su casa no había fotos de embarazos. Y estaba el pasado de su supuesto padre militar.
“Es una historia de intrigas y de sospechas”, dice su tío. “Martín aparentemente empezó a atar los comentarios de esa señora, que pudo sortear esa situación con el marido. El hombre se había dedicado a la bebida, era un padre ausente, pero cuando le preguntamos Martín dice que dentro de todo fue feliz, que sintió mucho cariño y que la mujer lo llamaba para que vea el televisor cuando aparecía la noticia sobre la recuperación de un hijo de desaparecidos.”
A lo mejor eran mensajes. A lo mejor, una forma de manejar alguna forma de la locura. Martín intentó terminar de armar algo con lo que empezaba a entender de su vida el 13 de diciembre de 2007 cuando abrió un legajo en la Comisión Nacional por el Derecho a la Identidad (Conadi). Hasta ese momento, había terminado el secundario, empezó la universidad, pero dejó todo para entrar en el conservatorio de música. En algún lugar de la provincia de Buenos Aires armó una banda y se puso a estudiar acordeón de piano, era el mismo instrumento que tocaba su madre.
Ante la primera consulta, Abuelas siguió los pasos que habitualmente lleva adelante en una situación similar. Compararon las muestras de ADN con el banco de datos. “En el banco están todas las muestras de los grupos de familiares que denunciaron tener un pariente, hija o hermana desaparecida embarazada, o que tenía un hijo ya nacido, de pocos meses, al momento del secuestro”, explica un abogado de Abuelas.
Martín se hizo el análisis el 20 de diciembre de 2007. El 6 de marzo de 2008 le dijeron que el resultado era negativo. Su patrón de ADN aún no había sido denunciado como desaparecido.
Las Abuelas tenía denuncias sobre la existencia del joven como posible hijo de desaparecidos. Los datos de Abuelas no eran mucho más amplios, pero contemplaban los elementos que enumeraba Martín en su relato.
Mientras tanto, la Conadi avanzaba en una investigación paralela con testimonios que permitieran rastrear posibles embarazadas entre los detenidos desaparecidos. En ese contexto, aparecieron tres datos. El 21 de agosto, se presentó ante la Secretaría de Derechos Humanos una sobreviviente de Campo de Mayo quien aseguró que Marcela Molfino había dado a luz un niño en ese centro clandestino. Un ex conscripto que había pasado un período detenido en Campo de Mayo también denunció que para 1980 había una mujer embarazada. Y el último dato llegó, antes o después, de un arrepentido del Ejército que mencionó el nombre de Molfino, precisó el lugar de detención en Campo de Mayo y su embarazo.
Marcela Molfino y Guillermo Amarilla eran militantes de Montoneros y formaban parte de la dirección de la Juventud Peronista en la regional IV. Ella había nacido el 15 de noviembre de 1952 en Buenos Aires, sus padres se instalaron en Resistencia, y en los ’60 ella empezó Filosofía y Letras, militó en el peronismo de base y luego de en la JP. Guillermo era el Negro Amarilla, de Chaco. Era hijo de un dirigente peronista, estudiaba la carrera de contador, ocupó la secretaria general de la región IV de la JP con jurisdicción en Chaco, Formosa, Corrientes y Misiones y antes de fundar Montoneros en el Chaco integró la JP Regional de la Resistencia. “Mi hermano era delegado de la regional IV”, dice Donato. “Y fue el único que viajó en el charter que trajo de vuelta a Perón en el ’73, está en la lista, con el gobernador Bittel, después se fueron al exilio, el último hijo nació en Francia y volvieron de nuevo con la contraofensiva.”
Hasta poco antes del secuestro estaban en el exilio. Noemí Gianetti de Molfino, la madre de Marcela, también estaba exiliada, durante la final del Mundial de Fútbol de 1978 entró al país sólo para sacarlos, para irse con ellos, como tenía la apariencia de una señora rubia, mujer de bien, podía darles cierta cobertura. Tiempo después volvieron para la contraofensiva y terminaron secuestrados el 17 de octubre de 1979.
“Primero lo secuestraron a Guillermo en un bar, pero en el saco llevaba una factura por una compra de materiales de construcción”, señaló Guillermo Molfino. En ese momento vivían en San Antonio de Padua, cuando los militares llegaron a la casa, Marcela respondió al fuego con un revólver. La hirieron, y los hermanos creyeron que justamente por eso podría haber muerto enseguida. En la casa estaban los tres hijos de Marcela y de Guillermo, también Rubén Amarilla, el cuñado con su mujer y dos hijos. La cuñada escapó pero Rubén, Marcela y los cinco niños fueron secuestrados por el Ejército. Los cinco chicos volvieron quince días después a Resistencia porque un represor conocía a uno de los Amarilla.
Veinte días antes del secuestro, una hermana de Marcela se cruzó con ella en una visita. Se vieron pero nunca hablaron del embarazo. Su familia cree por eso que a lo mejor ni siquiera ella lo sabía.
El encuentro de Martín con los Donato Amarilla se hizo en la sede de Abuelas. Los familiares habían mandado las muestras de sangre para el cruce de ADN y cuando la base de datos comparó nuevamente los datos de todos, incluso el de Martín, el cruce dio positivo.
“Por eso es tan importante la reforma del banco nacional genético que se analiza en el Congreso”, explica Alan Iud, abogado de Abuelas. “Lo que se pide es que los ADN que analiza el banco se conserven ahí por si se agregan otros grupos familiares, y el caso como el de Martín muestra que es imprescindible que sea así.”
El lunes pasado, Abuelas convocaron a Martín para contarle su historia. En una habitación cercana lo esperaban los hermanos, Mauricio, Joaquín e Ignacio y también sus tíos. La entrevista duró hora y media. Una vez que terminó, le preguntaron si quería conocer a su familia.
“Había mucha gente”, dice Donato que viajó especialmente desde Chaco. “Físicamente es muy parecido a Ignacio, el que ahora es el penúltimo y que teníamos como el menor.” Apenas lo vieron sus hermanos miraron las orejas, la marca de origen, porque todos tienen el lóbulo pegado a la cara. Era la marca, la constataron, Martín la tenía, y dicen que en ese momento todos se mataron de risa.
Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/elpais/1-134670-2009-11-04.html
II Ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia” 2009 (Migraciones, globalización, política, economía e historia reciente)
II Ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia”
2009
(Migraciones, globalización, política, economía e historia reciente)
El Programa Todas (Dirección General de la Mujer GCBA), el Coordinamento Donne Italo Argentinas y la Revista Virtual de Género Foeminas tienen el agrado de invitarlas/os a participar del lanzamiento del II Ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia”, Luchas, logros y desafíos. Es esta edición abordaremos las temáticas que atraviesan a las mujeres en sus prácticas y construcciones históricas más recientes. Por esta razón, este año se centrará en los problemas ligados a las migraciones, la globalización, políticas y derechos género y la economía.
El ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia” se inaugurará el miércoles 11 de noviembre a las 18.30 hs. en el salón Ortega Peña de la Defensoría del Pueblo de la Ciudad de Buenos Aires (Piedras 574). En este primer encuentro denominado “Igualdad de género, feminismos y construcciones políticas recientes” participarán Verónica Giordano (Socióloga e Historiadora, IIEG), Zulema Montero (Abogada, ex jueza en Chuquisaca), María Rosa Arona (Politóloga, Miembra del Consiglio Generale degli Italiani all ' Estero y Ramona Álvarez Fleitas (Socióloga y Coordinadora de la Organización paraguaya ORERAPÉ) como moderadora. La apertura estará a cargo de Guadalupe Tagliaferri (Directora General de la Mujer del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires).
Esperamos contar con tu presencia y con tu participación.
Auspician:
Delegación de la Xunta de Galicia en Buenos Aires.
Comitato degli Italiani residenti all ' Estero. (Comites de Buenos Aires.)
El Equipo Orerapé y el Centro Social y Cultural paraguayo Silvio Morinigo.
Asociación Civil Yanapacuna (Ayudémonos).
Mujeres Peruanas Unidas Migrantes y Refugiadas.
Q’Amasan Warmi (Fuerza de Mujer).
Informes e inscripción:
Programa "TODAS"
Tel: 4323 - 8000 int. 4058 / 4394 - 0824
Email: todas.dgmuj@gmail.com
http://demujeresymujeresenlahistoria.blogspot.com/
http://www.youtube.com/user/historiademujeres
TODAS: Cristina Reges, Gladys Flores.
Coordinamento Donne: Rafaela Cuppari.
Consejo de los/as Italianos/as en el mundo: María Rosa Arona.
Foeminas (Revista virtual de género de Lugo): Micaela Fernández Darriba.
www.foeminas.lugo.es
Coordinación General: TODAS
Dirección General de la Mujer
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
2009
(Migraciones, globalización, política, economía e historia reciente)
El Programa Todas (Dirección General de la Mujer GCBA), el Coordinamento Donne Italo Argentinas y la Revista Virtual de Género Foeminas tienen el agrado de invitarlas/os a participar del lanzamiento del II Ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia”, Luchas, logros y desafíos. Es esta edición abordaremos las temáticas que atraviesan a las mujeres en sus prácticas y construcciones históricas más recientes. Por esta razón, este año se centrará en los problemas ligados a las migraciones, la globalización, políticas y derechos género y la economía.
El ciclo “De Historias de Mujeres y Mujeres en la Historia” se inaugurará el miércoles 11 de noviembre a las 18.30 hs. en el salón Ortega Peña de la Defensoría del Pueblo de la Ciudad de Buenos Aires (Piedras 574). En este primer encuentro denominado “Igualdad de género, feminismos y construcciones políticas recientes” participarán Verónica Giordano (Socióloga e Historiadora, IIEG), Zulema Montero (Abogada, ex jueza en Chuquisaca), María Rosa Arona (Politóloga, Miembra del Consiglio Generale degli Italiani all ' Estero y Ramona Álvarez Fleitas (Socióloga y Coordinadora de la Organización paraguaya ORERAPÉ) como moderadora. La apertura estará a cargo de Guadalupe Tagliaferri (Directora General de la Mujer del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires).
Esperamos contar con tu presencia y con tu participación.
Auspician:
Delegación de la Xunta de Galicia en Buenos Aires.
Comitato degli Italiani residenti all ' Estero. (Comites de Buenos Aires.)
El Equipo Orerapé y el Centro Social y Cultural paraguayo Silvio Morinigo.
Asociación Civil Yanapacuna (Ayudémonos).
Mujeres Peruanas Unidas Migrantes y Refugiadas.
Q’Amasan Warmi (Fuerza de Mujer).
Informes e inscripción:
Programa "TODAS"
Tel: 4323 - 8000 int. 4058 / 4394 - 0824
Email: todas.dgmuj@gmail.com
http://demujeresymujeresenlahistoria.blogspot.com/
http://www.youtube.com/user/historiademujeres
TODAS: Cristina Reges, Gladys Flores.
Coordinamento Donne: Rafaela Cuppari.
Consejo de los/as Italianos/as en el mundo: María Rosa Arona.
Foeminas (Revista virtual de género de Lugo): Micaela Fernández Darriba.
www.foeminas.lugo.es
Coordinación General: TODAS
Dirección General de la Mujer
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
martes, 3 de noviembre de 2009
"Gente que te banca, gente que no"
Gente que no
Todos tus muertos
Hay gente mentirosa, gente policía
gente de mierda, gente que no
gente que no, gente que no.
Hay gente que te dice que tenés que trabajar
hay gente que te dice que tenés que estudiar
gente que te dice que tenés un problema existencial.
gente que no, gente que no, gente que no.
Tus viejos te molestan te quieren ver triunfar
te quieren bien arriba en la escala social
te llenan bien las bolas te quieren matar
y vos sólo querés mandarlos a cagar!
Gente que te escucha, gente que no
gente que te banca, gente que no
gente que te invita a su casa a dormir
gente que te deja en la calle morir.
y vos...si, vos: no mires al costado
no te hagas el pescado, no te creas que le hablo
al de al lado porque te hablo a vos, quién sos?
Que carajo estás haciendo de tu vida
qué carajo vas a hacer con vos
Querés ser policía!
querés ser policía!
querés ser policía!
querés ser policía!
Yo no, gente que no.
Todos tus muertos
Hay gente mentirosa, gente policía
gente de mierda, gente que no
gente que no, gente que no.
Hay gente que te dice que tenés que trabajar
hay gente que te dice que tenés que estudiar
gente que te dice que tenés un problema existencial.
gente que no, gente que no, gente que no.
Tus viejos te molestan te quieren ver triunfar
te quieren bien arriba en la escala social
te llenan bien las bolas te quieren matar
y vos sólo querés mandarlos a cagar!
Gente que te escucha, gente que no
gente que te banca, gente que no
gente que te invita a su casa a dormir
gente que te deja en la calle morir.
y vos...si, vos: no mires al costado
no te hagas el pescado, no te creas que le hablo
al de al lado porque te hablo a vos, quién sos?
Que carajo estás haciendo de tu vida
qué carajo vas a hacer con vos
Querés ser policía!
querés ser policía!
querés ser policía!
querés ser policía!
Yo no, gente que no.
La virgen de los sicarios
Cruda y violenta, muy interesante. El personaje del escritor Fernando Vallejos, su amor a los jóvenes muchachitos colombianos, su regreso a Medellín cuando ya no conoce los códigos de la violenta realidad que abandonó hace treinta años.
Fernando dice que vuelve a morir pero mueren y se matan los amantes de 7 años y él sigue vivo, testigo doliente de una generación que le pasa por encima.
Muy doloroso.
Fernando dice que vuelve a morir pero mueren y se matan los amantes de 7 años y él sigue vivo, testigo doliente de una generación que le pasa por encima.
Muy doloroso.
lunes, 2 de noviembre de 2009
La nonna, de Tito Cossa
No leí la obra (a lo que me obligaré esta semana) pero la versión que vi hoy en el Teatro Leopoldo Marechal de San Miguel con mis estudiantes del Sanma fue espantosa. Si eso es la obra es muy mala y que los actores y actrices eran malísimos no me cabe la menor duda: hablaban a los gritos, se equivocaban y se reían solos, intercalaban gestos y bromas chavacanas, de los más berretas (¿será eso el grotesco sanmiguelino?)y le metieron una música de tarantella que sacaba de quicio.
Es una pena que mis alumnos y alumnas se queden con la idea de que el teatro es esta berretada. Algo tendré que inventar para reparar el daño.
Es una pena que mis alumnos y alumnas se queden con la idea de que el teatro es esta berretada. Algo tendré que inventar para reparar el daño.
domingo, 1 de noviembre de 2009
Festival Latinoamericano de poesía "Salida al mar"
2009 | 6ª edición | programa
BIBLIOTECA NACIONAL (AUDITORIO BORGES)
VIERNES 6 DE NOVIEMBRE
18 HS
Valeria Meiller (Bs.As.)
Pamela Romano (La Paz, Bolivia)
Paula Soruco (S.Salvador Jujuy)
Fabiana Faleiros (San Pablo, Brasil)
Lucas Soares (Bs.As.)
19 HS
Ian Lerner (Montevideo)
Martín Armada (Bs.As.)
Arianna Castañeda (Lima, Perú)
Rodrigo Olavarría (Santiago, Chile)
Gustavo Giovagnoli (V. López)
20 HS
Miguel Ildefonso (Lima, Perú)
Roberta Iannamico (Villa Ventana)
Beatriz Vignoli (Rosario)
Mario Arteca (La Plata)
ANTIGUA IMPRENTA DEL FERROCARRIL (Estrada 17, Haedo)
SÁBADO 7 DE NOVIEMBRE
17 HS
Natalia Perz (Hurlingham)
Sebastián Kirzner (Bs.As.)
Mercedes Halfon (Bs.As.)
Miguel Ildefonso (Lima)
18 HS
Victoria Cóccaro (Bs.As.)
Carla Sagulo (Bs.As.)
Jacqui Behrend (Bs.As.)
Rodrigo Olavarría (Santiago)
19 HS
Música:
Paula Trama, Andrés Ruiz
20 HS
Vanina Colagiovanni (Bs.As.)
Arianna Castañeda (Lima)
Luis Lhoner (Morón)
Flavio Crescenzi (Bs.As.)
21 HS
Soledad Castresana (Bs.As.)
Angélica Freitas (Pelotas, Brasil)
Sebastián Bianchi (Morón)
Marcelo Díaz (Bahía Blanca)
Feria de editoriales:
Durante todo el festival, mesas con libros de poesía de las editoriales Gog y Magog, Vox, Bajo la luna, Chapita, Santiago Arcos, Eloísa Cartonera, IAP, Mansalva, E.M.R. (Rosario), Tierra Firme, Macedonia, Metales Pesados (Chile), El niño Stanton, Black & Vermelho, 5P y otras, y una mesa del festival con libros de los poetas invitados.
BIBLIOTECA NACIONAL (AUDITORIO BORGES)
VIERNES 6 DE NOVIEMBRE
18 HS
Valeria Meiller (Bs.As.)
Pamela Romano (La Paz, Bolivia)
Paula Soruco (S.Salvador Jujuy)
Fabiana Faleiros (San Pablo, Brasil)
Lucas Soares (Bs.As.)
19 HS
Ian Lerner (Montevideo)
Martín Armada (Bs.As.)
Arianna Castañeda (Lima, Perú)
Rodrigo Olavarría (Santiago, Chile)
Gustavo Giovagnoli (V. López)
20 HS
Miguel Ildefonso (Lima, Perú)
Roberta Iannamico (Villa Ventana)
Beatriz Vignoli (Rosario)
Mario Arteca (La Plata)
ANTIGUA IMPRENTA DEL FERROCARRIL (Estrada 17, Haedo)
SÁBADO 7 DE NOVIEMBRE
17 HS
Natalia Perz (Hurlingham)
Sebastián Kirzner (Bs.As.)
Mercedes Halfon (Bs.As.)
Miguel Ildefonso (Lima)
18 HS
Victoria Cóccaro (Bs.As.)
Carla Sagulo (Bs.As.)
Jacqui Behrend (Bs.As.)
Rodrigo Olavarría (Santiago)
19 HS
Música:
Paula Trama, Andrés Ruiz
20 HS
Vanina Colagiovanni (Bs.As.)
Arianna Castañeda (Lima)
Luis Lhoner (Morón)
Flavio Crescenzi (Bs.As.)
21 HS
Soledad Castresana (Bs.As.)
Angélica Freitas (Pelotas, Brasil)
Sebastián Bianchi (Morón)
Marcelo Díaz (Bahía Blanca)
Feria de editoriales:
Durante todo el festival, mesas con libros de poesía de las editoriales Gog y Magog, Vox, Bajo la luna, Chapita, Santiago Arcos, Eloísa Cartonera, IAP, Mansalva, E.M.R. (Rosario), Tierra Firme, Macedonia, Metales Pesados (Chile), El niño Stanton, Black & Vermelho, 5P y otras, y una mesa del festival con libros de los poetas invitados.
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